Autor: Música Sacra

[mk_page_section el_class=»noticia_centro» sidebar=»sidebar-1″ first_page=»true» last_page=»true»][vc_column][vc_row_inner][vc_column_inner width=»1/4″][mk_fancy_title color=»#393836″ margin_bottom=»18″ font_family=»none»]

LLEGA POR SÉPTIMO AÑO CONSECUTIVO EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE MÚSICA SACRA DE BOGOTÁ «ARMONÍA».

[/mk_fancy_title][/vc_column_inner][vc_column_inner width=»3/4″][mk_image src=»/wp-content/uploads/festival-musica-sacra-prelanzamiento-min.jpg» image_size=»full» group=»_general» align=»center» crop=»true»][vc_column_text css=».vc_custom_1533060428930{margin-bottom: 0px !important;}»]• Por séptimo año consecutivo llega el Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá, este año, con el tema central “Armonía”.
• Del 13 al 30 de septiembre de 2018, más de 600 artistas de diferentes continentes se reunirán en Bogotá para dar a conocer lo mejor de la música sacra, músicas sagradas, espirituales, religiosas, contemplativas y meditativas del mundo, de diferentes estilos, épocas y religiones.
• Por primera vez, el 100% del Festival será de entrada libre, es decir, sin costo de boletería.
• Serán 45 eventos en 26 escenarios de Bogotá.
• Conciertos, charlas con los artistas, clases magistrales, conferencias y visitas guiadas por las iglesias patrimoniales del centro histórico de la capital, componen este encuentro.
• La imagen oficial del Festival, titulada “Armonía”, fue encargada al reconocido pintor colombiano Pedro Ruiz.

Bogotá, 14 de junio de 2018. El Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá (FIMSB) llega este año a su edición número siete con la satisfacción de posicionar a Bogotá como la capital de las músicas sagradas en Latinoamérica. Un espacio para el encuentro entre la espiritualidad, y las tradiciones culturales del mundo, a través de la música.
El Festival, dedicado a promover la unión, el diálogo, el respeto a la diversidad de creencias, una cultura de paz y la reconciliación entre pueblos, presenta música de diferentes estilos y épocas. Desde música ambrosiana, gregoriana, bizantina, del renacimiento, del barroco –Europeo y Americano-, clásica, del Romanticismo y hasta contemporánea. También tiene una selección de músicas tradicionales espirituales propias de África, Asia, Medio Oriente y América Latina.

Del 13 al 30 de septiembre de 2018, 30.000 asistentes podrán disfrutar de este Festival, el 100% de entrada libre, es decir, sin costo de boletería, con una programación que incluye 45 eventos entre conciertos, conferencias, clases magistrales, charlas con los artistas, y visitas guiadas por las iglesias patrimoniales del centro histórico de la capital.

El Festival brinda la posibilidad de acceder a los más emblemáticos escenarios de Bogotá, muchos de ellos, inaccesibles al público general, promoviendo así el turismo cultural y religioso de la ciudad, y resaltando el patrimonio arquitectónico de Bogotá.

Escenarios. La Catedral Primada de Colombia, la Capilla del Sagrario, la Iglesia San Ignacio, el Museo Santa Clara, El Museo Nacional, la Capilla de la Bordadita, Iglesia Ortodoxa Griega Dormición de la Virgen María, la Iglesia Santa Bárbara de Usaquén, la Parroquia Santo Domingo Savio, la Capilla de los Santos Apóstoles del Gimnasio Moderno, la Iglesia Templo de San Agustín, el Oratorio de la Universidad de La Sabana, el Auditorio Fabio Lozano, serán algunos de los escenarios de esta séptima edición.
Este año, en colaboración con Cine Colombia, llegarán al Festival 10.000 niños y niñas de poblaciones vulnerables, para fomentar la apreciación musical en las edades tempranas y formar públicos críticos.

La sede oficial del Festival será el Centro Comercial Andino, en donde se fijará el punto de información, y realizarán actividades entre conciertos, rifas, exposición fotográfica, entre otros.

Avance de la programación

Ya está publicado el Avance de la Programación, y la programación completa podrá conocerla los primeros días de junio por la página web del Festival o en sus redes sociales.

• Para el Concierto de Inauguración del Festival, vendrán a Bogotá cerca de 80 integrantes del Coro de la Fundación Princesa de Asturias (España), quienes interpretarán un programa de polifonía religiosa centrado en la pluralidad de la música cristiana y judía, con obras de nuestro pasado más cercano (siglos XIX y XX) y de compositores de distintos estilos musicales unidos –todos ellos– por su forma de entender lo espiritual y místico. Se escucharán obras de Standord, Albéniz, Vila, Schnittke, Tchaikovsky, Duruflé, Bruckner, Casals, Alcaráz, Gil Tárrega, y Busto. El Coro de la Fundación Princesa de Asturias está considerado como una de las formaciones vocales más importantes de España y Europa.

• El Dúo Ueda-Offermans (Japón/Holanda) presentará interpretaciones solistas de shōmyō -canto litúrgico japonés que pertenece al patrimonio del pensamiento budista-, y de música escrita para flauta shakuhachi (flauta sagrada del Japón), transcrita para flauta traversa y flauta de pulgares (instrumento muy primitivo hecho de un tubo recto de madera con ambas terminaciones abiertas).

• El Dúo Pipa-Dizi (China), presentará música antigua China de taoísmo, budismo y antigua ópera Kunqu.

• La Schola Gregoriana de Bogotá interpretará piezas de un repertorio propio de la Semana Santa con un conjunto de himnos y cánticos relativos a la Orden del Carmen.

• Yerko Lora y Kuan Yin (España/Taiwán), deleitarán al público con canciones espirituales del Mediterráneo Antiguo y África Occidental.

• El ensamble Egschiglen (Mongolia) ofrecerá un concierto con ritmos, melodías, cantos e instrumentos tradicionales mongoles que permitirán al público conectarse con las dimensiones espirituales propias de esta región del continente asiático.

• Con su programa Sevilla- Puerta de Indias, la soprano española Rocío de Frutos, y Manuel Vilas, arpa de dos órdenes (España), presentarán música española y Latinoamericana del S. XVII.

• La Schola Antiqua (España), dirigida por el musicólogo Juan Carlos Asencio, ofrecerá un panorama del canto llano hispano y colonial como genuina expresión del canto propio de la iglesia romana.

• La Coral ¡Canta, Bogotá Canta!, proyecto Coral Distrital Estudiantil, creado y liderado por la Secretaría de Educación de Bogotá, bajo la dirección de María Teresa Guillén Becerra, participará este año en el Festival. La coral está integrada por 100 cantantes entre Categoría Infantil y Juvenil.

• También estará presente la Orquesta Filarmónica Juvenil de Cámara con conciertos de música sacra.

• El Festival presentará por primera vez músicas ancestrales indígenas de Colombia explorando así la espiritualidad que poseen comunidades indígenas de la Sierra Nevada de Santa Marta, del Cauca y del Putumayo, a través de cantos de alabanza, de rito, de rezo y también de historias, mitos y leyendas.

Lograr este año el 100 % de la programación de entrada libre, es decir, sin costo de boletería, es una noble causa que se hace posible gracias al apoyo de más de 30 aliados nacionales e internacionales, especialmente, al apoyo decidido de los aliados principales: Alcaldía Mayor de Bogotá, Banco de Bogotá, Fundación Mario Santo Domingo, Arquidiócesis de Bogotá, la Conferencia Episcopal de Colombia, el Vaticano y, Cine Colombia.

“El Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá es una oportunidad para abrir nuestros corazones y mostrarle al mundo que, aunque somos todos distintos, tenemos algo en común y esto se llama el amor y el respeto por lo sagrado. Es una invitación a todas las personas a recordar, compartir, comprender y a aprender unos de otros, dejar de un lado las diferencias y unir fuerzas. A elevar el espíritu propio a través de la música sacra. A deleitarnos con las diferentes armonías y melodías propias de cada cultura, de cada tradición, de cada historia. Esta actividad, organizada y promovida por la Corporación Cultural InterColombia, quiere ofrecer y aportar a la sociedad colombiana un beneficio cultural para el futuro, fomentando el cambio, la tolerancia y la paz” afirma Marianna Piotrowska, directora del Festival.

ACERCA DE LA CORPORACIÓN CULTURAL INTERCOLOMBIA

La Corporación Cultural InterColombia es una entidad sin ánimo de lucro creada hace 21 años con el fin de promover el arte y la cultura en Colombia, y desarrollar relaciones a nivel nacional e internacional que mejoren la calidad de vida de los ciudadanos y la convivencia social. Dentro de las iniciativas más importantes de InterColombia están: Festival de Música Internacional Sacra de Bogotá, Instituto Federico Chopin en Colombia, fundado en 1998, el Concurso Nacional de Piano Federico Chopin Colombia, y el Festival Federico Chopin Colombia.

Para ver el avance de la programación: www.festivamusicasacra.org
Síguenos en facebook:@FMSBogota
Síguenos en twitter: @FMSBogota #bogotaesmusicasacra[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/mk_page_section]

[mk_page_section el_class=»noticia_centro» sidebar=»sidebar-1″ first_page=»true» last_page=»true»][vc_column][vc_row_inner][vc_column_inner width=»1/4″][mk_fancy_title color=»#393836″ margin_bottom=»18″ font_family=»none»]

PEDRO RUIZ, ARTISTA INVITADO 2018
IMAGEN OFICIAL 7MO FESTIVAL INTERNACIONAL DE MÚSICA SACRA DE BOGOTÁ

[/mk_fancy_title][/vc_column_inner][vc_column_inner width=»3/4″][mk_image src=»/wp-content/uploads/img_7059.jpg» image_width=»524″ group=»_general» align=»center» crop=»true»][vc_column_text css=».vc_custom_1511799698384{margin-bottom: 0px !important;}»]¡Iniciamos semana con una gran noticia! El reconocido pintor colombiano, Pedro Ruiz, está en proceso de creación de la imagen oficial de la 7ma edición de nuestro festival que se llevará a cabo del 12 de septiembre al 6 de octubre del 2018 .

Pedro Ruiz  es uno de los artistas plásticos colombianos más destacados en la actualidad. Cursó estudios de pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes de París y trabajó el grabado en el “Atelier 17”, taller fundado por el maestro Stanley W, Hayter. En 1984 trabajó como Director de arte de la agencia Mc Cann Erickson en Bogotá; uno de sus trabajos recibe el Premio India Catalina. También ha realizado numerosos trabajos de ilustración para algunas publicaciones como el libro de poemas de William Ospina “Hilo de Arena” y libros infantiles entre los que se destaca “El Libro de los Días”. En 1988 recibe una mención de Honor en el Salón Nacional de Artistas de Colombia. A partir de ese momento se consagra de manera casi exclusiva a la pintura. Un trabajo que tiene como tema frecuente la Naturaleza pero va mas allá del mero naturalismo. En su conjunto puede tomarse como un largo discurso sobre el espíritu de su pueblo.

En 1999 organiza “La Biblioteca Natural” con la participación de más de 50 artistas, intelectuales y científicos del país invitados a participar con sus conocimientos y sus oficios en lo que se podría describir como un diálogo de saberes. Esta experiencia le permite a Pedro Ruiz conformar el grupo “nadieøpina” en el año 2000. Con este grupo de artistas, abierto a la participación, realiza proyectos de carácter experimental donde la idea de la creación colectiva es la base de cada propuesta.Desde ese momento trabaja también en algunos proyectos de teatro con el Director Alejandro Gonzales Puche y el grupo de la Universidad del Valle. En el 2002 “nadiøpina” gana la convocatoria“Exposiciones en la Galería Santa Fé” con el proyecto “Lugar de Residencia” realizado en colaboración con el grupo brasileño Clube da Lata.

Sus trabajos «Desplazamientos» y «Love is in the Air» buscan, durante un proceso de múltiples exposiciones transformar su carácter individual y convertirse en instalaciones y eventos interactivos que aborden de manera más amplia problemas como el narcotráfico y el desplazamiento forzado en Colombia.

En 2009 Inicia la realización de la muestra “ORO – Espíritu y Naturaleza de un Territorio”. Un trabajo compuesto por más de 30 obras de pequeño formato donde aspectos de la vida cotidiana en Colombia se ven representados en forma de íconos que los dignifican. La muestra ha sido realizada, a nivel nacional en Cartagena, Bogotá, Popayán, Pereira y Santa Marta, y en el extranjero a viajado a la ciudad de Oaxaca, Madrid, Roma, Tokio y Jakarta. En la actualidad se en encuentra en Brasil donde será expuesta en Brasilia, Sao Paulo y Rio de Janeiro.

Sus exposiciones individuales y colectivas abarcan un número extenso de galerías e instituciones a nivel nacional e internacional.

Reconocimientos más destacados:
– Mención de Honor Salón Nacional de Artistas de -Colombia, 1988
– Recibe el título de Caballero en la Orden de las Artes y las Letras de La República  Francesa, 2010
– Nombrado Amigo de  UNICEF, 2014[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/mk_page_section]

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8 de Agosto de 2017

[/mk_fancy_title][/vc_column_inner][vc_column_inner width=»3/4″][mk_image src=»/wp-content/uploads/IMG_7269-45.jpg» image_width=»524″ group=»_general» align=»center» crop=»true»][vc_column_text]

COMUNICADO DE PRENSA 8 DE AGOSTO DE 2017
FESTIVAL INTERNACIONAL DE MÚSICA SACRA DE BOGOTÁ
6ta edición 2017 ●FRATERNIDAD●

• Por sexto año consecutivo llega el Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá, este año, con el tema central “Fraternidad”, del 5 de septiembre al 1 de octubre de 2017.
• Serán 50 eventos a cargo de más de 600 artistas de 20 países en 30 escenarios de Bogotá.
• Conciertos, charlas y actividades académicas componen este encuentro.
• El Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá será el evento cultural que ambientará de espiritualidad a través de la música, la venida del Santo Padre Francisco a Bogotá.

Bogotá, 08 agosto de 2017. El Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá (FIMSB) llega a su edición número seis con la satisfacción de posicionar a Bogotá como la capital de las músicas sagradas en Latinoamérica. Un espacio para el encuentro entre la espiritualidad, la música y las culturas del mundo, a través de cincuenta eventos en septiembre, el 70% de ellos gratuitos.

El Festival presenta música de diferentes estilos y épocas. Música sacra, músicas espirituales, religiosas, contemplativas, de diferentes credos y culturas, son algunas de las propuestas que presenta este encuentro. Desde música ambrosiana, gregoriana, bizantina, del renacimiento, del barroco –Europeo y Americano-, clásica, del Romanticismo y hasta contemporánea. También tiene una selección de músicas tradicionales espirituales propias de África, Asia, Medio Oriente y del pacífico colombiano.

Dentro del Festival se tendrá la posibilidad de oír música de Palestrina, Monteverdi, Geminiani, Telemann, Buxtehude, Bach, Pergolesi, Mendelssohnm, Sebastián Durón, Britten, Barber, Holst, Duruflè, Soler, Ariel Ramírez, Federico Lequerica, Mauricio Nassi, K. Jenkis, Dowland, Piazzola, Mederos, Reger, Sharafyan, Pelesis, Leo Brouwer, Penderecki, entre otros grandes compositores.

Fraternidad es el tema central de esta sexta edición. Más de 600 artistas de diferentes continentes se reunirán en Bogotá para representar la Fraternidad a través de la música; ya sea demostrada en las fusiones musicales, en la interpretación de los textos o en las propias expresiones y reflexiones que transmitirán los artistas.

Países Invitados 2017. Argentina, Chile, Colombia, Estados Unidos, Venezuela, Perú, Uruguay, España, Francia, Latvia, India, Italia, Polonia, Noruega, Rusia, Suecia, Suiza, Gambia, Marruecos y Chipre son los países invitados en esta sexta edición.
Los recomendados 2017. El próximo 5 de septiembre el Festival será inaugurado por segundo año, por el reconocido director polaco Kryzyztof Penderecki. Considerado el compositor vivo más destacado de la actualidad y uno de los más grandes que Polonia haya tenido. K. Penderecki dirigirá la Orquesta Filarmónica Juvenil de Cámara, en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, con algunas de sus obras con componente sacro-espiritual. El 8 de septiembre en la Iglesia La Porciúncula La Schola Cantorum Basiliensis de Suiza y el Ensemble de Interpretación Histórica de la Universidad Central interpretarán obras pertenecientes a la publicación de música litúrgica “Selva Morale et Spirituale” de Claudio Monteverdi, de quien este año se conmemoran 450 años de su nacimiento. El 9 y 10 de septiembre en el Teatro Colón La Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y el Coro de la Universidad de los Andes, bajo la dirección de Carmen Téllez (Venezuela), interpretan el oratorio Elías, del compositor alemán Felix Mendelssohn. Participa en este concierto el reconocido bajo franco-colombiano Hyalmar Mitrotti en el papel de Elías. El ensamble neoyorquino Afrika Meets India ofrece un concierto, en la Iglesia La Porciúncula el 12 de septiembre, en el cual mezcla las antiguas tradiciones melódicas sacras africanas con las tradiciones melódicas sacras indias, las cuales se derivan de piezas tradicionales con letras sobre Dios y temas espirituales y filosóficos. El ensamble noruego Trondheim Barokk ofrece una reconstrucción de cómo habrían sido interpretadas unas Vísperas para un Mártir en el siglo XVI; este concierto se llevará a cabo en la Iglesia de Las Aguas el 14 de septiembre. Las Cantadoras de Andagoya, ofrecen al público manifestaciones de los cantos fúnebres particulares de las comunidades afrocolombianas del Pacífico colombiano, el 17 de septiembre en la Iglesia de San Ignacio. Ese mismo día en la Iglesia La Candelaria, el grupo Musica Ficta, uno los más destacados renovadores de la interpretación de la música antigua en España, interpretará villancicos, himnos procesionales y motetes funerarios pertenecientes a archivos y códices musicales de América, algunos de ellos escritos en lenguas nativas. El colectivo musical Innov Gnawa se dedica a explorar y profundizar en las raíces y rituales musicales de la tradición musical gnawa de Marruecos. Se ha presentado con éxito en escenarios prestigiosos incluyendo el Lincoln Center de Nueva York, y este año se presenta el 22 de septiembre en el Centro Cultural y Educativo Reyes Católicos. El reconocido laudista Hopkinson Smith, graduado en música con honores de la Universidad de Harvard y quien fundó junto con Jordi Savall el ensamble Hespèrion XX, presenta un programa de profunda espiritualidad que incluye obras de Dowland, Holborne y Johnson. No podían faltar los conciertos de órgano en la Catedral Primada de Colombia: Juan de la Rubia (España), organista de la Basílica de la Sagrada Familia de Barcelona, el 24 de septiembre y Aivars Kalējs (Latvia), organista de la Catedral de Riga, el 30 de septiembre. El Coro Romanos Melodos de la Santa Metrópolis de Limasol (Chipre) es el invitado de honor para el cierre del VI Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá. El coro, uno de los más importantes intérpretes de villancicos de Chipre y Grecia, interpretará himnos, salmos y villancicos bizantinos. Este concierto se realizará en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, el 1 de octubre a las 5:00 PM.

Cada mes de septiembre, desde hace seis años, los jerarcas de las diferentes confesiones religiosas de Colombia se reúnen en actitud ecuménica, respetuosa y espiritual para mostrarle al mundo que se puede vivir en fraternidad y armonía. El mensaje de reconciliación del Festival ha brillado durante todas sus ediciones desde Bogotá hacia Colombia, y desde Colombia hacia el mundo.

Una de las características que más destaca al FMSBogota es ofrecer el 70% de sus conciertos y actividades académicas de entrada libre, es decir, sin costo de boletería. Esta noble causa se hace posible gracias al apoyo de más de 30 aliados nacionales e internacionales, especialmente, al apoyo decidido de los aliados principales: Alcaldía Mayor de Bogotá, Banco de Bogotá, Fundación Mario Santo Domingo, Arquidiócesis de Bogotá, la Conferencia Episcopal de Colombia, el Vaticano y, CineColombia, que con su generosidad, compromiso y convicción, han permitido y permiten, a través de esta iniciativa, el acceso y la democratización de la cultura a más de 65.000 personas y la participación de más de 2.100 artistas.

“Es un encuentro musical, espiritual, que promueve el respeto a la diversidad de creencias, el diálogo, la amistad y una cultura de paz. El Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá es una oportunidad para abrir nuestros corazones y mostrarle al mundo que, aunque somos todos distintos, tenemos algo en común y esto se llama el amor y el respeto por lo sagrado. Es una invitación a todas las personas a recordar, compartir, comprender y a aprender unos de otros, dejar de un lado las diferencias y unir fuerzas. A elevar el espíritu propio a través de la música sacra. A deleitarnos con las diferentes armonías y melodías propias de cada cultura, de cada tradición, de cada historia. Esta actividad, organizada y promovida por la Corporación Cultural InterColombia, quiere ofrecer y aportar a la sociedad colombiana un beneficio cultural para el futuro, fomentando el cambio, la tolerancia y la paz” afirma Marianna Piotrowska, directora del Festival.

ACERCA DE LA CORPORACIÓN CULTURAL INTERCOLOMBIA

La Corporación Cultural InterColombia es una entidad sin ánimo de lucro creada hace 20 años con el fin de promover el arte y la cultura en Colombia, y desarrollar relaciones a nivel nacional e internacional que mejoren la calidad de vida de los ciudadanos y la convivencia social. Dentro de las iniciativas más importantes de InterColombia están: Festival de Música Internacional Sacra de Bogotá, Instituto Federico Chopin en Colombia, fundado en 1998, el Concurso Nacional de Piano Federico Chopin Colombia, y el Festival Federico Chopin Colombia.

Para ver programación: www.festivamusicasacra.org
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Contacto Prensa
Juan Esteban Montufar- Director de Comunicaciones y Prensa
301 786 1466- [email protected]

Nataly Garzón- Equipo de Prensa
318 516 4160- [email protected][/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/mk_page_section]

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26 de Abril de 2017

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Manuel Camargo y su legado pictórico
Por. María Elvira Ardila

 

Manuel Camargo cumple cuarenta siete años en su devenir en el arte, la celebración de su vida artística se inicia con la invitación del VI Festival Internacional de Música Sacra, para realizar el afiche del certamen, el cual vienen realizando destacados artistas. Esta versión es dedicada a la fraternidad y a partir de este referente, Camargo diseña una imagen que se conecta con el espíritu del Festival, una abstracción que evoca un tejido, que nos lleva a pensar en un símbolo mesoamericano, que nos evoca que somos parte de una comunidad, de un todo interconectado por las tramas, el color y los hilos del tejido, su intención es que la imagen del Festival sea un puente para reflexionar en torno a la hermandad y la conciliación, que tanto necesitamos.

Camargo entra a estudiar Bellas Artes en la Universidad Nacional en 1962, son años de ebullición, de entusiasmo artístico y político, en Colombia se evidencia un relevo generacional y el arte es parte fundamental de la cultura. Artistas como Jean Dubeffet, Francis Bacon, José Luis Cuevas son representantes de una generación de cambio, al igual la presencia de la crítica argentina radicada en Colombia, Marta Traba. Hay que señalar que Camargo coincide con los postulados y tendencias del arte moderno que impulsa Traba en el país, como la abstracción, la Neo figuración, lenguaje que adoptan algunos artistas jóvenes y que según la crítica y Camargo libera a la pintura de los principios del Muralismo mexicano. De esta manera, ausculta en la figuración expresionista, al igual que Leonel Góngora, Alberto Samudio, Luciano Jaramillo, entre otros artistas.

En el 67 comienza su vida como profesor en la misma Universidad, se enfrenta a las nueva política, la de suprimir los materiales a los estudiantes de arte, lo que deja a los artistas en un limbo, pues muchos no tenían con que tomarse un tinto. Es un momento en el que el Hiper realismo surge en el país con mucha fuerza, los artistas con pocos materiales como el papel y el carboncillo se apropian de las temáticas urbanas. Camargo deja las clases y se resiste a entrar a esta corriente.
En esta época trabaja con la Galería de Rita de Agudelo, que se encarga de promover su obra y sus participaciones a nivel nacional e internacional, recibe invitaciones con las que gana reconocimiento y en 1976 recibe el primer premio del Festival Cannes Sur Mer, con dos pinturas de mujeres cargadas de la energía neo expresionista.

A comienzos de la década de los 70 participa en una exposición para jóvenes artistas, organizada por el ICETEX y gana el Primer premio que consiste en una beca para estudiar en el exterior. Decide ir a París donde cursa estudios de cine en la Universidad de Vincennes, se interesa por el documental y la apreciación cinematográfica. Se inscribe también en el famoso taller de grabado de S. W. Hayter. En esta ciudad encuentra todo el entusiasmo, los ideales, el amor, la rebeldía, el existencialismo que se vivió en Mayo del 68, un contexto ideal para la creación de un artista.
Existe una particularidad de los artistas neo figurativos y es que algunos crean personajes para habitar su obra, lo inventan y cobran vida propia, la subjetividad y la libertad le dan vuelo, Camargo no se abstrae y crea un universo de personajes que lo acompañaran por un tiempo. En su inconsciente también está el conocimiento adquirido en sus clases de documental, que lo acercan más a la realidad del país creando una serie de dibujos que reflejan el mestizaje y las problemáticas y la cotidianidad del país como las Reinas de belleza, una crítica al estereotipado concurso de belleza.

A comienzos de los 80 realiza una serie por la cual será reconocido por algunos críticos que visitan la Bienal de Coltejer donde presenta la serie de Los González, sin embargo Camargo relata que cunado Marta Traba observa la obra le dice vehementemente: “esta serie mata al pintor que eres” : En Los González predomina el dibujo expresionista que capta la interioridad del ser latinoamericano, personajes abigarrados que se ubican en la rutina, poseen un humor soterrado y se identifican por sus rasgos: ojos pequeños, nariz ancha, rostro alargado, gente de clase media y son seres que se acercan a la identidad de un personaje de cualquier país Latinoamericano.

Continúa su proceso artístico realizando series de personajes históricos, Manuelita Sáenz aparece en una carátula del Magazín Cultural del Espectador, sigue dibujando por temas: Tauromaquia, Mujeres de interiores, Los deportistas, todos son personajes anónimos pero poseen un rol específico en la sociedad, sin embargo, hoy reconoce que éstos fueron un pretexto para pintar.

Su preocupación ha sido reinventar la pintura dejar un legado antropológico que dé cuenta de la América precolombina, su mestizaje con el mundo español y el legado afrocolombiano, así sus series amalgaman cientos de historias de nuestro continente. Para él su pintura debe contener filosofía, sin ésta no puede ocurrir un acto pictórico, sus propósitos también se acercan a los planteamientos de Carl Jung, pues para crear se requiere de un acto poético, que conduzca a expresar algo que no se ha hecho, pero que todo mundo presiente y que pertenece al núcleo simbólico inconsciente, con el cual nacemos.

Desde 1996 su pintura da un vuelco hacia el neo expresionismo abstracto, la figura se convierte en manchas, y poco a poco se libera de la lógica. Hoy su taller está poblado de grandes lienzos donde acentúa los aspectos cromáticos, lo gestual y la libertad de la pintura. Y recuerda que su pasión comienza desde cuando estaba en kínder a los 6 años cuando coloreó un árbol, no sólo se enamoró de su profesora sino del color.

Entrevista realizada por María Elvira Ardila al artista. 26 de Abril de 2017 en Bogotá.

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Octubre 11 de 2016

[/mk_fancy_title][/vc_column_inner][vc_column_inner width=»3/4″][mk_image src=»/wp-content/uploads/Jorge-Pinzon-oficial.jpg» image_width=»524″ group=»_general» align=»center» crop=»true»][vc_column_text]

“El FIMS Bogotá nos llenan el  corazón de júbilo y enriquece nuestro espíritu de música sublime y celestial”, maestro Jorge Humberto Pinzón.

Por Miguel Santacoloma

Jorge Humberto Pinzón nació en 1968 en Moniquirá, Boyacá. Su formación musical se inició en la Escuela Superior de Música de Tunja, uno de los centros de enseñanza musical más importantes del país. Su trayectoria como compositor lo ha llevado a ganar numerosos reconocimientos, a participar en diversos festivales y a ver sus obras interpretadas por los mejores.

Su amor por la astronomía y el Universo lo llevó a componer “Capricornius”, la obra que fue estrenada en el marco del Festival en el Auditorio Fabio Lozano con la interpretación del violinista Leonardo Federico Hoyos, la Fusión Filarmónica Juvenil de Colombia, el Coro de Cámara de la Universidad de Los Andes y el Coro Filarmónico Juvenil. El maestro Pinzón habló con nosotros sobre el estreno de esta obra, su relación las músicas sacras y más.

¿Cómo ha sido tu experiencia en el Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá?

Mi relación con la música sacra es muy grande, debido a que toda mi educación musical inicial estuvo basada en la literatura musical de la tradición europea en las cuales se han producido diversas formas musicales tales como la cantata, el réquiem, la misa y los himnos con textos litúrgicos que orientan de buena manera el conocimiento polifónico como base fundamental para el desarrollo de grandes estructuras y géneros musicales.

¿Nos puedes hablar un poco de tu obra Concierto para violín «Capricornius»?

“Capricornius” pertenece al ciclo de las Constelaciones, el cual tiene el propósito de simbolizar la magnificencia del Universo como creador de vida y movimiento, de formas, colores  y estructuras prodigiosas que preservan  grandes enigmas y consecuentemente  se relacionan con los sistemas musicales, gracias al aporte infinito de representaciones  geométricas, materia, tiempo y espacio. El concierto se desarrolla en una estructura donde convergen diversos lenguajes propios del siglo XX, asimilados de forma personal, aprovechando la función tímbrica del instrumento que a través del tiempo ha estado ligado a expresiones líricas, grandiosas y  solemnes.

El maestro Leonardo Federico Hoyos fue el intérprete de la obra durante el concierto, ¿cómo es tu relación con él y cómo prepararon el recital?

Mi relación con el maestro Federico Hoyos data de muchos años atrás cuando estudiamos en Moscú, y desde entonces hemos estado en permanente contacto: Él ha sido difusor de varias de mis obras entre las cuales podemos mencionar: Andrómeda, Taurus, Scorpius, Capricornius. Es de gran privilegio para los compositores tener siempre la colaboración de un buen intérprete, de tal manera que se pueda interactuar y producir nuevas ideas en pro de una mejor interpretación, y para este caso tuvimos la oportunidad de trabajar junto con el Violinista y el pianista repetidor durante más de seis meses.

El año pasado compusiste dos obras, ¿qué nos puedes hablar de tus más recientes proyectos?

Este año tuve la satisfacción de ser elegido por el comité artístico de la Biblioteca Luis Angel Arango para escribir un cuarteto de cuerdas “Cygnus” en comisión para el Banco de la República, obra que se estrenará el próximo 2 de noviembre en la sala de conciertos de la BLAA con el prestigioso cuarteto francés DIOTIMA. Por otro lado el Cuarteto de Clarinetes de Bogotá me comisionó una obra “Polaris” para la próxima grabación de un CD de compositores colombianos.

¿Cómo es tu relación con las músicas sagradas?

Yo he sido un fiel seguidor del Festival de Música Sacra de Bogotá, y debo señalar que cada edición supera todas las expectativas, la cobertura de conciertos por todas las localidades con prestigiosos ensambles, directores e intérpretes nos llenan el  corazón de júbilo y enriquece nuestro espíritu de música sublime y celestial.

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Octubre 11 de 2016

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“Es un honor haber actuado en este Festival”, Josetxu Obregón de La Ritirata.

Por Miguel Santacoloma

Josetxu Obregón nació en Bilbao a finales de los 70. Desde los 6 años su amor por el violoncello hizo de él uno de los intérpretes más virtuosos de este instrumento en sus formatos clásicos y barrocos. Durante su etapa de residencia en Holanda creó La Ritirata, su ensamble de interpretación histórica con el que ha viajado por medio planeta.

La Ritirata se estrenó en Colombia en el marco del FIMS Bogotá 2016 y logramos hablar con el maestro Obregón sobre su relación con las músicas sagradas, el componente interpretativo e investigativo de su ensamble, su nueva relación con el reconocido sello Glossa y su vínculo con las redes sociales, en donde solo su cuenta de Twitter, cuenta con más de 1200 seguidores.

¿Cómo es tu relación con las músicas sacras y cómo llegaste a ser invitado por el Festival a Bogotá’

Desde La Ritirata nos dedicamos a la interpretación de la música antigua de los periodos barroco y clásico, usando instrumentos y criterios de época, y debido a la gran cantidad de música que se escribió en con esta temática en las citadas épocas, nos hemos encontrado con este tipo de repertorios muy a menudo. Esto nos ha llevado a visitar festivales de Música Sacra de mucha relevancia, como el Festival de Música Sacra de Madrid, el Domo Musical de la Catedral de Zamora, el Festival de Quito, Ecuador, entre otros. En el caso concreto de Bogotá, además se ha juntado la oportunidad que tuvimos de conocer el Festival y a su directora Marianna en la feria Expoclásica de Madrid, y a su vez contar con la invitación y apoyo del director del CNDM, Antonio Moral. Es todo un honor poder actuar en este festival, y haber venido junto a la soprano Alicia Amo.

¿Cómo es el proceso de exploración e investigación de La Ritirata?

Al igual que la mayoría de agrupaciones que nos dedicamos a esta «interpretación histórica», hay un largo proceso de investigación antes de cada actuación, que normalmente llevamos a cabo Tamar Lalo, flautista y miembro fundador de La Ritirata, y yo mismo. No existe el concepto de comprar la partitura, sino que en muchas ocasiones toca explorar archivos de Catedrales, Palacios o Bibliotecas, investigar sobre la vida de compositores del pasado, encontrar la música, transcribirla a notación moderna, en muchas ocasiones corregirla, y luego lo más importante de todo: aprender a interpretarla de la misma manera que se hubiera hecho en el lugar y época que se compuso. Esto afecta la interpretación en muchos aspectos: qué instrumentos utilizar, qué tipo de cuerdas, cómo colocarse o disponerse en el grupo, qué afinación utilizar, así como miles de detalles de articulación, carácter, afecto, etc. Y a partir de ahí ya el proceso que requiere toda interpretación musical, sea del estilo que sea: estudiar, ensayar para preparar el concierto. El resultado de este proceso previo es reproducir un tipo de sonido muy diferente al de los ensambles y orquestas modernas.

¿Cómo ha sido la experiencia junto a Glossa como nuevo sello disquero?

El caso nuestro con Glossa, ha sido un gran honor porque es uno de los sellos más respetados dentro de la música antigua. Lleva una trayectoria larga de artistas de élite de muchas nacionalidades, curiosamente casi nunca españoles. Todos los artistas de su catálogo son fantásticos, grupos e instrumentistas, de referencia a nivel mundial. Que hayan decidido apostar por un grupo español, es una prueba de la calidad de las nuevas generaciones de música antigua que estamos viviendo hoy en día en España. Realmente para nosotros es un gran paso estar grabando con un sello discográfico de este calibre, además por la estupenda distribución que tiene mundialmente, tanto en tiendas físicas como en versión digital.

Nos podrías dar algunos detalles sobre los trabajos recientes de La Ritirata.

Desde que entramos a trabajar con Glossa, hemos lanzado 4 títulos, uno cada año. El primero, Il Spiritillo Brando, en 2013, hacía un recorrido por la música del seicento italo-español, buscando la relación que había entre músicos del Reino de Nápoles y de la península. Nuestro siguiente trabajo supuso un giro de 180 grados en cuanto a época y estilo, si bien manteniendo nuestra fidelidad a la interpretación histórica: grabamos la integral de los cuartetos de cuerda de Juan Crisóstomo Arriaga con instrumentos de época, un músico que estilísticamente se sitúa terminando el clasicismo, en los albores del romanticismo. Arriaga nació en Bilbao, al igual que yo, y compuso música de una calidad indiscutible hasta su temprana muerte, poco antes de cumplir 20 años. Y tras estos dos discos, hemos lanzado los dos títulos de mayor éxito de La Ritirata hasta la fecha: The Cello in Spain, un recorrido por la música para violoncello en España durante el s.XVIII, y después Antonio Caldara: The Cervantes Operas, recién lanzado este mes de septiembre, que cuenta con una espléndida selección de arias de dos óperas desconocidas con temática cervantina del compositor y violoncellista Antonio Caldara.

Eres activo en Twitter, ¿cómo es tu relación con las redes sociales?

Creo que hoy en día el mundo avanza muy rápido, y los que vivimos del espectáculo y de las reacciones del público no nos podemos quedar atrás, en nuestro caso hacemos una amplia difusión de cada concierto y cada lanzamiento discográfico en Facebook, Twitter, y recientemente también en Instagram y LinkedIn. De esta manera nuestro público puede estar al tanto de todas las novedades e interaccionar, e incluso en muchas ocasiones escuchar nuestras interpretaciones en directo desde cualquier lugar del mundo ya que siempre anunciamos las retransmisiones radiofónicas, lo cual parece que da resultados muy positivos.[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/mk_page_section]

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Octubre 6 de 2016

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“No hay miedo al contacto con otro tipo de expresiones musicales”, Juan Carlos Higuita del Cuarteto Q-Arte.

Por Miguel Santacoloma

El Cuarteto Q-Arte nació en 2010 como la necesidad de cuatro músicos de explorar la música latinoamericana compuesta para cuarteto de cuerdas. Así, llegaron a la obra de Gabriela Ortíz Altar de Muertos, que presentaron en el Auditorio León de Greiif el pasado 29 de septiembre en una puesta en escena deslumbrante que revivió la tradición mexicana de El Día de los Muertos.

Hablamos con Juan Carlos Higuita, violinista del cuarteto, sobre su relación con las músicas sagradas y el concierto que ofrecieron en el marco del V Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá.

1. ¿Cómo ha sido la relación del Cuarteto con las músicas sagradas?

Hemos tenido la oportunidad de participar en varios conciertos de música sacra y siempre nuestras propuestas al respecto han cobijado el término sacro expandiéndolo a la relación de lo sagrado en todas las civilizaciones.

2. ¿Cómo fue el trabajo con Gabriela Ortiz para la adaptación de su obra?

El trabajo que hemos venido realizando con Gabriela desde hace varios años, siempre ha sido de mucho aprendizaje a todo nivel  y a pesar de la complejidad con la que ella escribe, hemos logrado apropiarnos en gran parte de su lenguaje musical.

3. ¿Altar de Muertos es una obra que habla de sincretismo. Cómo abordan ustedes el sincretismo de juntar tambores típicos colombianos con violines, chelos y violas?

Esto hace parte de nuestra búsqueda musical, de lograr nuevas sonoridades y no tener miedo al contacto con otro tipo de expresiones musicales.

4. ¿Cuál es el diagnóstico que ustedes hacen sobre la situación de la interpretación de música de cámara en América Latina?

En estos años hemos podido corroborar qué hay un gran potencial en este campo, sin embargo aún falta mucho más iniciativas en este aspecto.

5. ¿Cómo han sido los dos últimos años del Cuarteto y qué proyectos esperan en el futuro?

Han sido dos años intensos, hemos tenido la oportunidad de participar en diferentes festivales nacionales e internacionales y de trabajar con grandes compositores e intérpretes de diversa índole. Para el futuro tenemos varias invitaciones como El festival de Cartagena, el Festival del Teatro Julio Mario Santo Domingo entre otros.

 

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Octubre 5 de 2016

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Corno, título de la imagen del V Festival internacional de Música Sacra de Bogotá.

Por Miguel Santacoloma

Conocido como el artista plástico por excelencia de lo cotidiano, el maestro Santiago Cárdenas (1937) es la fuerza creativa que le dio forma a la imagen oficial de la quinta edición del Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá.

Los estudios del maestro Cárdenas se remontan al Rhode Island School of Design en Providence donde estudió arte, luego un Master en Bellas Artes en la Universidad de Yale para retornar a Colombia en 1965 y convertirse en un referente creativo de los últimos 50 años del arte colombiano. Su obra se ha expuesto en las bienales de arte más importantes del planeta (Brasil, Madrid, etc) y en museos como The Museum of Modern Art de Nueva York, Museo de Bellas Artes de Caracas, el Museo de Arte de la Universidad de Texas en Austin, el Prints Museum de Noruega y más de media docena de museos en Colombia y Estados Unidos.

Compartimos unas palabras del maestro sobre el proceso para la elaboración de la obra “Corno”, su vínculo con la espiritualidad y su experiencia.

Este año tenemos el honor de tenerlo como nuestro artista invitado 2016. Para usted, ¿qué significa ser parte de la imagen creativa del Festival en los 5 años de su realización?

Ser el artista invitado para diseñar el afiche promocional es un honor y una oportunidad para ayudar a la divulgación de tan importante evento. La pintura siempre se ha utilizado para comunicar ideas de una manera visual, rápida y eficaz, no hay barreras de idioma. La mayor motivación para aceptar la invitación de realizar la imagen de esta V edición fue el reto de crear una imagen útil para un evento extraordinario.

A través de los años su interés artístico en el dibujo y la pintura se ha caracterizado por aquellos objetos que hacen parte de nuestra cotidianidad, expuestos de forma muy creativa. Un expresionismo muy atrapante ¿Cómo funcionó está técnica en el momento de crear la imagen oficial del Festival en su versión 2016?

Para crear la imagen del Festival 2016 pensé que el círculo representa lo universal y la inclusión. El instrumento musical es naturalmente la música. El color dorado es la representación de lo espiritual y la excelencia.

Cada año el Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá concentra sus esfuerzos en promover la espiritualidad, el respeto a la diversidad de creencias religiosas y el diálogo entre pueblos, a través de la música. Desde su experiencia como creador y promotor del arte, ¿Cómo cree que estos esfuerzos aportan al movimiento cultural en la ciudad y en Colombia?

El respeto a los otros, el diálogo y la promoción de la espiritualidad son conceptos importantísimos para estimular el conocimiento y derrotar la violencia.

Datos curiosos sobre el corno o trompa

• Este instrumento también ha estado asociado con rituales religiosos desde la antigüedad. Para los egipcios la trompa era un instrumento militar aunque se utilizaba, igualmente, en los misterios del dios Osiris, a quien consideraban su inventor.

• Los romanos las emplearon también para algunas ceremonias religiosas, preferentemente al aire libre.

• Entre los hebreos encontramos el shofar; uno de los instrumentos de viento más antiguos. Se fabrica vaciando el interior de los cuernos de ciertos animales, prefiriéndose los que más curvatura posean. Tenía un carácter divino ya que Dios había ordenado a Moisés su construcción dándole precisas instrucciones sobre la manera de usarlo.

• Los judíos todavía usan el shofar para anunciar ciertas ceremonias de culto en las sinagogas.

• Para el islam el arcángel Israfin (Uriel para los cristianos) es el responsable de anunciar el día del juicio al hacer sonar un corno.

• La tradición cristiana describe al arcángel Gabriel como el que anunciará el día del juicio con una trompa. En las iglesias es representado con una trompa que apunta hacia el este, listo para anunciar la segunda venida de Cristo.

• Entre los compositores más relevantes de la historia la trompa, también ha jugado un papel esencial en cuanto a que asocia su sonido con lo divino. Johann Sebastian Bach (1685-1750) suele utilizar en sus obras instrumentos de metal –trompetas y cornos- para simbolizar la elevación de la voz y el alma y así alabar al Señor y sus ángeles. También aparece en sus obras en los momentos de batalla entre el mal y la luz. En El Mesías, de George Frideric Handel, la trompeta también está asociada con la victoria de la vida sobre la muerte, es decir la resurrección de Cristo.

• El texto del Requiem (descanso) ha sido musicalizado por muchos compositores a lo largo de la historia; allí la trompeta es el instrumento que llamará a los muertos para que se levanten y sean juzgados, tal y como lo describe la tradición cristiana y el islam.

 

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Octubre 5 de 2016

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“Sigo rescatando repertorio barroco español”, confesiones de Eduardo López Banzo

Por Miguel Santacoloma

Eduardo López Banzo es conocido como uno de los investigadores más juiciosos de la música antigua española y uno de los intérpretes de clavecín más destacados. Su doble presentación en el marco del Festival, junto a su ensamble Al Ayre Español y junto a la soprano Verónica Plata, le dio una experiencia 360 del Festival, Colombia y su gente.

Días después de su segundo recital en la Iglesia Santo Domingo de Guzmán en Tunja, López Banzo habló con nosotros para dilucidar su relación con la música sacra, la investigación musicológica y sus nuevos proyectos.

¿Cómo podrías describir tu experiencia en el Festival de Música Sacra de Bogotá?

Era la primera vez que actuábamos en Colombia y nos ha fascinado la belleza del país y la manera de ser de la gente, tan cortés y amable. También ha sido una sorpresa comprobar el entusiasmo de las personas que hacen posible este importante festival. Nos hemos sentido muy a gusto actuando en los espacios de concierto, que son de un gran nivel.

Junto Al Ayre Español escuchamos las cantadas inéditas de José de Torres, ¿cómo es tu relación con la investigación musicológica y por qué elegiste este repertorio para el concierto?

Yo no soy en realidad un musicólogo, pero he tenido que trabajar mucho en archivos y bibliotecas para conocer en profundidad la música barroca española. Cuando comencé mi carrera apenas había gente interesada en este repertorio y estaba todo por hacer.  Estas bellísimas cantadas de José de Torres fueron escritas a comienzos del siglo XVIII en España para ser interpretadas en la Capilla Real de Madrid. José de Torres era el principal maestro de la corte y adquirió mucha fama como compositor. Debido a esto su música fue llevada a América y fue conocida en todas las catedrales del continente.  Se trata por tanto de partituras que hace 300 años vinieron desde España, que transcribí personalmente hace 20 años en archivos americanos, y que sin embargo nunca habían hecho el viaje de regreso a América. Ha sido muy emocionante interpretarlas aquí, en Bogotá, en el marco de este Festival, donde ha tenido lugar su reestreno americano.

Estuviste en Tunja con Verónica Plata, ¿cómo te sentiste acompañándola y cómo es la relación musical que tienen ambos?

A Verónica la conocí en un curso que di en torno a Monteverdi hace ya unos años. Luego ha venido a más cursos de interpretación que doy en España y por toda Europa sobre el estilo vocal barroco. Es una cantante muy interesante que forma parte de Vozes del Ayre, el departamento vocal de Al Ayre Español. En esta ocasión le propuse venir a hacer este repertorio solísitico junto a mí, ya que me gusta promover a los jóvenes cantantes que como ella, hacen un trabajo tan serio y riguroso.

¿Cuál es el valor de la música sacra en un contexto de explotación comercial de la música?

La música sacra escrita en el pasado tiene una profunda carga emotiva, que proviene de los textos a los cuales adorna. Algunos grandes compositores (Vivaldi, Bach, Haydn…) fueron personas de una profunda religiosidad y su música transmite toda esa espiritualidad con la que vivieron. El valor de la música sigue siendo aquel que la ha hecho un arte sin fronteras: su lenguaje accesible a todos, desprovisto de imágenes concretas, de mensajes y de conceptos. Cada uno interpreta la música como su imaginación le permite. Su capacidad para conmover profundamente a cualquier ser humano es lo que la hará siempre el mejor vehículo para el entendimiento y la reconciliación.

¿En qué proyectos te encuentras trabajando actualmente?

Hay varios proyectos importantes en este momento. Por un lado sigo rescatando repertorio barroco español. Recientemente he estrenado un programa de cantatas andaluzas de la Catedral de Jaen y próximamente pondremos en marcha otro compuesto por obras de un gran maestro malagueño, Juan Francés de Iribarren. Por otra parte dirigiré a Vozes del Ayre y a Al Ayre Español en un gran proyecto de cantatas de Bach para el Bachfest de Leipzig y estamos girando un bellísimo programa en torno a Monteverdi y sus exquisitos madrigales, el laboratorio de experimentación del primer barroco.[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/mk_page_section]

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Septiembre 20 de 2016

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«Siempre hemos buscado la manera de decir cantando el texto sagrado», Marcel Péres. Una charla con el maestro francés.

Por Miguel Santacoloma

El pasado 15 de septiembre el maestro Marcel Péres presentó junto a su grupo Ensamble Organum la música de la exquisita espiritualidad del Misterio de la Encarnación del Verbo. Un verdadero ritual de solemne celebración. Al día siguiente se presentó en la Universidad Javeriana para una charla sobre la relación entre las músicas orales y las músicas escritas ante estudiantes, profesores y seguidores. Allí logramos arrancarle unas palabras al Marcel Péres y esto fue lo que nos dijo.

El concierto del pasado 15 de septiembre se sintió más como un rito sagrado que como un recital de música espiritual. ¿En qué consiste la propuesta del Ensamble Organum?

Es un concierto especial, es casi un rito litúrgico alrededor de la palabra. El origen de todo rito religioso viene de una celebración de la palabra y en esta oportunidad exploramos la raíz común de las tradiciones griegas, hebraicas, romanas, latinas y árabes. Nuestra intención siempre ha sido buscar la manera de decir cantando un texto sagrado. Si revisamos los textos del siglo X, XI o XII es claro que la manera de cantar el texto es esencial porque determina la conexión, el entendimiento y la forma de reproducción entre el intérprete y el texto. Así, nosotros debemos dar una interpretación lo más abierta y cuidada en relación con la palabra misma, la pronunciación, la sintaxis, etc. Los elementos de la retórica en la interpretación de textos sagrados son fundamentales para que el sentido se pueda revelar por sí mismo, sin intervención del intérprete.

A parte de su experiencia en músicas sagradas de Occidente, también ha tenido importantes acercamientos con las músicas sagradas del Islam. ¿Cómo es relación con dichas músicas?

Es una lástima que no pudimos complementar nuestro programa con cantantes musulmanes, a menudo lo hacemos. Ellos han conservado esta ciencia de cantar un texto sagrada de una manera muy cuidada. Para nosotros es un ejemplo y personalmente he aprendido mucho compartiendo con cantantes musulmanes y he estudiado la manera en que interpretan el texto de El Corán. Desde pequeño, en mi pueblo de Orán en Argelia siempre estuve muy influenciado por los cantos sagrados musulmanes. Esa tradición ha hecho parte de mi vida desde niño. El mundo latino y Occidental ha perdido el interés por esta ciencia, pero ese ha sido todo mi trabajo: redescubrir las formas correctas de interpretación de textos sagrados desde la tradición latina.

En ese contexto, ¿qué opinión le merece el carácter interreligioso del Festival?

Esa característica de este Festival lo hace muy estimulante puesto que vemos en escena diferentes experiencias espirituales alrededor de la música, maneras diversas de interpretar los instrumentos y de cantar los textos sagrados. A pesar de sus diferencias, todas comparten una energía única y una búsqueda por interpretar las cosas fundamentales: mitos, historia, en sí, la memoria de la humanidad.[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/mk_page_section][vc_row][vc_column][mk_gallery images=»7710,7711,7712,7713,7714,7715,7716,7718″ column=»2″ image_quality=»1″ item_id=»1474378200-57e139d885b31″][/vc_column][/vc_row]