[mk_page_section el_class=»noticia_centro» sidebar=»sidebar-1″ first_page=»true» last_page=»true»][vc_column][vc_row_inner][vc_column_inner][mk_gallery images=»24196″ column=»1″ image_size=»full» overlay_color=»#b1c1e7″][vc_column_text el_class=»titulonoticia» css=».vc_custom_1767812549553{margin-bottom: 0px !important;}»][/vc_column_text][vc_column_text el_class=»titulonoticia» css=».vc_custom_1790621721538{margin-bottom: 0px !important;}»]EL XV FESTIVAL INTERNACIONAL DE MÚSICA SACRA DE BOGOTÁ ENTRA EN SU SEMANA FINAL CON GRANDES OBRAS DE LATINOAMÉRICA Y EUROPA

 

• Del 28 de septiembre al 4 de octubre, el Festival celebra su última semana con el tema central “La Concordia”, con seis conciertos que reúnen al Coro Nacional del Perú, The Tallis Scholars, la Orquesta Sinfónica de Galicia y destacados intérpretes internacionales.
• Hasta el 12 de octubre estará abierto al público la exposición Rituales del espíritu. La música sacra según 13 artistas, en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, que reúne la mirada de destacados artistas colombianos sobre lo sagrado. La exposición, con curaduría de María Elvira Ardila, reúne la colección del FIMSAC con obras de Gustavo Vejarano, Diego Mazuera, Santiago Cárdenas, Manuel Camargo, Pedro Ruiz, Olga de Amaral, Elsa Zambrano, David Manzur, Carlos Salas, Carolina Convers, Miguel Böhmer, Sair García y Miler Lagos.

 

Bogotá, septiembre de 2026. El XV Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá – FIMSAC, que este año celebra 15 años de historia bajo el lema La Concordia, llega a su quinta y última semana de programación con una selección de conciertos que atraviesa las tradiciones musicales de América Latina y Europa y culmina con una gran celebración de la música de Wolfgang Amadeus Mozart.

La semana comienza el lunes 28 de septiembre en el Auditorio León de Greiff de la Universidad Nacional de Colombia, con el Coro Nacional del Perú, dirigido por Javier Súnico, que interpretará la Missa Andina de Alejandro Núñez Allauca. La obra integra la estructura de la misa tradicional con elementos musicales de las culturas andinas, creando un diálogo entre espiritualidad cristiana e identidad latinoamericana.

El miércoles 30 de septiembre, en la Basílica Menor de Nuestra Señora de Lourdes, el Coro Filarmónico de Bogotá y la Orquesta Filarmónica de Mujeres presentarán la Misa a la Virgen de la Caridad del Cobre, del compositor cubano José María Vitier. A 30 años de su creación, esta obra constituye un encuentro entre la tradición litúrgica y las raíces musicales de Cuba.

Uno de los momentos centrales llegará el jueves 1 de octubre en la Iglesia San Ignacio, con el debut en el FIMSAC de The Tallis Scholars, bajo la dirección de Peter Phillips. Su programa, titulado Da Pacem: paz en nuestros tiempos, reúne obras de Palestrina, Gombert, Orlando di Lasso y Arvo Pärt en torno a la paz como experiencia espiritual y humana.

El viernes 2 de octubre comenzará en la Iglesia San Ignacio la trilogía que la Orquesta Sinfónica de Galicia dedica a Wolfgang Amadeus Mozart con motivo de los 270 años del nacimiento del compositor. Bajo la dirección y con la participación como solista del maestro español Roberto González-Monjas, la orquesta interpretará el Concierto para violín n.º 1 y el Réquiem en re menor, K. 626, en la versión revisada y completada por Robert Levin, en lo que constituye el estreno de esta versión en Colombia, con el Coro Nacional del Perú.

La celebración mozartiana continuará el sábado 3 de octubre, también en San Ignacio, con los Conciertos para violín n.º 2, 3 y 4, interpretados por González-Monjas junto a la Sinfónica de Galicia.

Finalmente, el domingo 4 de octubre, el FIMSAC cerrará su decimoquinta edición con dos conciertos. A las 11:00 de la mañana, en la Sala de Conciertos Luis Ángel Arango, el dúo alemán Belli & Schmeding, integrado por el trombonista Frederic Belli y el organista Martin Schmeding, presentará Que los ángeles nos acompañen, un programa que explora la dimensión espiritual del diálogo entre trombón y órgano.

La gran clausura tendrá lugar a las 4:00 de la tarde en la Iglesia San Ignacio, donde la Orquesta Sinfónica de Galicia y el Coro Nacional de Colombia, bajo la dirección de Roberto González-Monjas, interpretarán el Concierto para violín n.º 5 y la Misa de la Coronación, K. 317, de Mozart.

Con esta programación, el XV Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá culmina una edición que durante un mes ha reunido más de 1.000 artistas de 16 países en 25 escenarios de Bogotá, haciendo de la ciudad un punto de encuentro para las músicas sagradas del mundo.

Durante cinco semanas, La Concordia ha sido entendida no solamente como un concepto musical, sino como una invitación al encuentro entre culturas, épocas, tradiciones y comunidades. El Festival cierra así sus 15 años reafirmando su propósito de utilizar la música como lenguaje universal para acercarnos, escucharnos y descubrir aquello que nos une.

Programación en www.festivalmusicasacra.com[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/mk_page_section][vc_row fullwidth=»true»][vc_column][vc_column_text css=».vc_custom_1750139411243{margin-bottom: 0px !important;}»]

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La Concordia: tres miradas para un estreno

Por: Jorge Piotrowski

Hay obras que nacen de una idea y obras que nacen de una espera. Missa pro Vita et Concordia, del compositor francés Julien Faure, pertenece a las segundas: sus primeros motivos surgieron hace más de una década, cuando Faure supo que iba a ser padre. Ese impulso —tan personal, tan ligado a la vida que comienza— tardó años en convertirse en partitura y solo se aceleró cuando llegó la invitación que le daría un destino: abrir, con su estreno mundial, el concierto inaugural del XV Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá.

¿Qué significa hacer concordar tradiciones, generaciones y voces distintas en un mismo escenario? Se lo preguntamos a tres personas que responden desde tres lugares diferentes de una misma obra: el compositor que la imaginó, el director que le dará forma sonora por primera vez ante el público y el director asistente musical que llevó la partitura al territorio del ensayo, trabajando con las ochenta voces del Coro Nacional de Colombia.

Tres miradas sobre un mismo objetivo. Estas son sus palabras.

Tomàs Grau

Director

Grau llega a este concierto inaugural con la clausura del año pasado todavía fresca. Ahora le corresponde abrir la nueva edición y hacerlo, además, en el aniversario de un festival que conoce bien desde el podio.

El concierto inaugural se titula La Concordia y propone un encuentro entre culturas, tradiciones y generaciones. ¿Qué significa para usted, como director, estar al frente de un concierto construido alrededor de esa idea?

Tomàs Grau: Es para mí un placer poder dirigir este concierto tan especial que inaugura la XV edición del Festival de Música Sacra. Si el año pasado tuve la oportunidad de dirigir el Réquiem de Brahms en el concierto de clausura, es un honor dirigir el estreno del Festival de este año, coincidiendo además con el aniversario del mismo. La cultura en general, y la música en particular, pueden transformar la sociedad; por esto, este encuentro entre diferentes culturas, tradiciones y generaciones es tan importante, a la vez que tan especial, poder aportar mi grano de arena.

Cuando una obra se estrena por primera vez, no existe todavía una historia de interpretación. ¿Cómo construye un director ese nacimiento de una obra frente al público?

T.G.: Cuando como director me enfrento a una partitura nueva, intento estudiarla en primer lugar desde la gran forma, descubriendo cómo está construida, para luego poco a poco centrarme en las diferentes secciones y finalmente en el detalle. Por otro lado, si la obra es un estreno de un compositor vivo, es muy importante también tener un encuentro con el compositor para entender cómo él mismo concibió la obra e intentar transmitir su idea a los músicos y al público. Y, finalmente, con toda esta información, la obra tiene que terminar viviendo dentro de uno mismo, tomando forma y personalidad, aportando una visión propia, pero siempre respetando la partitura y al compositor.

Julien Faure

Compositor

Antes de ser una misa, Missa pro Vita et Concordia fue una intuición. Faure habla de su origen sin solemnidad impostada: con la honestidad de quien reconoce que una obra puede tardar más de diez años en encontrar su forma y que ese tiempo, lejos de ser un obstáculo, fue parte necesaria del proceso.

¿Cómo nació Missa pro Vita et Concordia? Cuando recibió la invitación del Festival, ¿qué fue lo primero que imaginó, sintió o quiso expresar a través de la música?

Julien Faure: La Missa pro Vita et Concordia tuvo un proceso de creación no tan lineal, en el cual necesité tomar cierto tiempo. Fue un proyecto que empezó hace más de diez años: me doy cuenta de que los primeros motivos que surgieron coinciden con el periodo en el cual supe que iba a ser papá. Creo que, de manera inconsciente, el hecho de esperar a mi hijo despertó esta necesidad de escribir algo ligado a la vida y a la natividad. Este momento me inspiró los primeros motivos del Kyrie.

Luego pasaron varios años durante los cuales fui investigando, componiendo, escuchando… Los avances no fueron muy concretos, pero seguramente fueron muy importantes para que madurara esta idea.

Finalmente, el proceso se aceleró bastante cuando recibí la invitación del Festival. Allí me senté a plasmar todo en el papel. A pesar de la preocupación por terminar la obra y encontrar algo más de inspiración, lo primero es que la felicidad me invadió, ya que hace un buen tiempo soñaba con presentar una obra mía para el Festival.

La Concordia es un tema que resonó en mí de manera muy evidente, porque la necesitamos más que nunca, para el bien de todos, tanto en Colombia como en el mundo. Observamos el fracaso humano en todas partes, desde hace siglos, y es importante manifestar que no es el único camino. ¡No lo es! Una de las maneras que encuentro para decirlo es a través de mi música.

A nivel espiritual, creo realmente que la música es un milagro, al igual que la vida. Tienen que ver con lo infinito, con cosas que no entendemos del todo, con algo que nos supera. Y si podemos vivir, si podemos crear y compartir música, qué lindo hacerlo desde el amor y la unión. A través de esta misa, mi deseo más honesto es poder compartir algo de luz, algo de belleza a los que la escuchan. Brindar un sentimiento de armonía, de agradecimiento, de unión. La belleza es un término que puede parecer ingenuo, pero que en realidad es muy profundo y que nos eleva como seres.

Escribir una Missa hoy significa entrar en diálogo con una tradición musical y espiritual de siglos. ¿Cómo encuentra un compositor su propia voz dentro de una tradición tan poderosa sin quedar limitado por ella?

J.F.: Es verdad que uno puede sentirse hundido en un océano de posibilidades cuando escribe una misa. Uno se siente pequeño. Pequeño al lado de creadores como Guillaume de Machaut, Marc Antoine Charpentier, Gabriel Fauré, Francis Poulenc, Ola Gjeilo y muchos otros… Pequeño al lado de tanto patrimonio histórico, de tanto legado espiritual, de tanto misterio. Pero justamente, creo que está muy bien sentirse así, pequeño e ignorante. Para encontrar su propia voz, en mi caso fue necesario sentir y aceptar tanta grandeza. También necesité algo muy importante que pareciera que no tenemos: el tiempo. Eso es lo que cura, lo que hace que la vida sea.

Me parece muy interesante aceptar las distintas influencias que lo nutren a uno y hacerlas «concordar». En el mundo musical se observan separaciones que a veces no tienen mucho sentido. Esta misa tiene muchas corrientes estéticas que se amalgaman y que naturalmente llevan a hacer existir una obra, un estilo, un mensaje.

Creo que si el proceso es honesto, si es guiado por algo real dentro de nuestro ser, uno llega al lugar, uno encuentra su voz.

Jeisson Segura Herrera

Director asistente musical, Coro Nacional de Colombia

Fue Segura Herrera quien llevó la partitura al territorio del ensayo: quien trabajó con ochenta voces distintas para construir, sección por sección, el sonido colectivo que escucharemos en el estreno. Su mirada sobre la concordia es quizás la más práctica de las tres —y también una de las más reveladoras.

Un coro está hecho de muchas voces, pero su fuerza está en aprender a escucharse y respirar juntos. ¿Qué tan desafiante es construir esa unidad al preparar una obra como Missa pro Vita et Concordia?

Jeisson Segura Herrera: La Missa pro Vita et Concordia plantea varios desafíos: cambios métricos, división a ocho voces en algunas secciones, dulzura y delicadeza, así como fuerza e ímpetu. Cada una de las voces, desde sus diferencias, armoniza completamente con las demás, creando una atmósfera especial.

¿Hay algo que un coro pueda enseñarnos sobre la concordia que no podríamos aprender escuchando a un solista?

J.S.H.: Un coro puede enseñarnos que la concordia no significa que todos sean iguales, sino que personas diferentes son capaces de construir algo común. Cada voz conserva su identidad. La concordia no consiste en cantar toda la misma nota, sino en escuchar al otro lo suficiente para que nuestras diferencias puedan convertirse en armonía.

Tres miradas, un mismo estreno. Una obra que nació de la espera, que ahora busca su primera forma sonora y que llegará al público a través de ochenta voces distintas. Quizás allí reside la verdadera concordia: no en borrar las diferencias, sino en aprender a escucharlas hasta convertirlas en armonía.

El XV Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá inaugura así su edición de aniversario con el estreno mundial de Missa pro Vita et Concordia.[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/mk_page_section][vc_row fullwidth=»true»][vc_column][vc_column_text css=».vc_custom_1750139411243{margin-bottom: 0px !important;}»]

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El XV festival internacional de música sacra de Bogotá presenta los conciertos con boletería para celebrar 15 años de historia

• El Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá conmemora su 15.º aniversario entre el 4 de septiembre y el 4 de octubre de 2026 bajo el tema central “La Concordia”.
• Una edición histórica que reunirá a más de 1.000 artistas provenientes de 16 países, quienes ofrecerán una programación de excelencia artística en 25 escenarios emblemáticos de la ciudad.
• La Catedral Primada de Colombia , el Teatro Colón, el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, la Sala de Conciertos Luis Ángela Arango, la Iglesia de San Ignacio, la Capilla de los Santos Apóstoles del Gimnasio Moderno, el Auditorio de Compensar Calle 94, entre otros, serán los escenarios de esta celebración.
• Miler Lagos es el artista de honor creador de la imagen oficial 2026.

 

Bogotá, 30 de junio de 2026.  Como parte de la celebración de los 15 años, el Festival anuncia sus conciertos con boletería; una selección de espectáculos que reunirá a destacadas orquestas, ensambles, coros y solistas nacionales e internacionales, en una programación concebida para exaltar la riqueza espiritual, cultural y musical del mundo.

Los conciertos con boletería reunirán a algunos de los artistas y agrupaciones más destacados de esta edición, en escenarios emblemáticos de la ciudad, ofreciendo al público la oportunidad de disfrutar producciones de alto nivel con invitados internacionales y nacionales que interpretarán repertorios que abarcan desde la música antigua y barroca hasta creaciones contemporáneas y músicas espirituales de diversas culturas: The Tallis Scholars (Reino Unido), el Dúo Belli & Schmeding (Alemania), el Ensamble Sedda (Mongolia/Irán), el Ensamble Organum (Francia), la Orquesta Sinfónica de Galicia (España), el Coro Nacional del Perú, el Coro Nacional de Colombia, la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, el Coro de Cámara de Karlovy Vary (República Checa), la Compañía Cuerpo de Indicas -El Colegio del Cuerpo, el Bogotá Piano Trío y El Ensamble Barroco de Bogotá, entre otros.

Además de estos conciertos especiales, el Festival desarrollará una amplia agenda de conciertos de acceso libre y actividades académicas, la exposición Rituales del Espíritu que reúne la colección de las obras de arte del Festival, encuentros con artistas y experiencias culturales que fortalecerán el acceso a la música y el intercambio artístico en diferentes localidades de Bogotá.

 

En sus quince años de trayectoria, el Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá se ha consolidado como una plataforma de circulación artística, de diálogo intercultural y promoción del patrimonio, posicionando a Colombia como un referente internacional en la programación de música sacra, músicas sagradas, espirituales, contemplativas y meditativas del mundo.

Los conciertos con boletería ya se encuentran disponibles a través de TuBoleta, donde el público podrá consultar la programación completa, los escenarios, las fechas y las diferentes localidades disponibles para cada espectáculo. (Tuboleta)

 

Sobre el Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá

El Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá es un encuentro que, desde hace quince años, promueve las diferentes tradiciones espirituales y sagradas del mundo a través de la música. Su programación reúne artistas nacionales e internacionales en escenarios patrimoniales, teatros, auditorios, iglesias y espacios culturales de la ciudad, contribuyendo al fortalecimiento de Bogotá como un destino cultural de alcance internacional. Presenta conciertos, actividades académicas, performances, exposiciones y recorridos turísticos.

 

Información para prensa:

 

Juan Esteban Montufar

[email protected]

Consultas sobre programación: [email protected]

www.festivalmusicasacra.com

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“LA CONEXIÓN SIMBÓLICA ENTRE LO SAGRADO, EL TERRITORIO Y LA VIDA EN COMUNIDAD REPRESENTA PARA MÍ LA CONCORDIA”. MILER LAGOS

Los artistas suelen hacer uso de materiales. Miler Lagos parece conversar con ellos. Tal vez por eso sigue siendo relevante que antes de dedicarse al arte hubiera estudiado ingeniería mecánica. En sus obras hay una inteligencia silenciosa del peso, la tensión y la resistencia; una forma de entender la materia no como un soporte, sino como algo vivo. Lagos sabe cómo se comporta un material antes de tocarlo. Y quizás ahí comienza todo: en esa negociación silenciosa entre control y accidente.

Con madera, papel, libros comprimidos, resina o carbón, ha construido una obra que rara vez busca imponerse. Más bien se infiltra. Sus piezas producen la sensación de haber existido mucho antes de ser vistas, como restos de algo antiguo y al mismo tiempo futurista. Un árbol puede parecer una arquitectura en ruinas. Un bloque de libros prensados puede sentirse como una formación geológica. En el universo de Lagos, los opuestos conviven. Lo natural y lo industrial. Lo espiritual y lo tangible. Lo efímero y lo permanente.

Para la edición XV del Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá, FIMSAC invitó al artista a crear la imagen oficial de esta celebración. El resultado fue El mar del grifo: una obra realizada en vaciado de resina sobre papel de algodón, que parece contener un movimiento interno, como si la superficie estuviera a punto de ceder.

En esta conversación, el artista habla de esta participación, de los accidentes que terminan convirtiéndose en lenguaje, de la poesía escondida dentro de los materiales y de esa sensación — cada vez más rara — de seguir siendo capaz de asombrarse.

El Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá cumple 15 años y usted es el artista invitado de honor para crear su imagen oficial. ¿Qué lo motivó a aceptar esta invitación y qué significado tiene para usted participar en esta edición?

Miler Lagos: Me motivó la apertura con la que este festival integra distintas sonoridades de lo sagrado, conectando geografías distantes que nos ayudan a tener una dimensión distinta del mundo. En lo personal, es un gran honor ser el autor de la imagen de esta 15.ª edición, especialmente porque como artista procuro hacer de mi trabajo un ritual donde la música converge para crear ese lugar donde lo intangible se conecta con lo tangible.

Este año el Festival gira en torno a la concordia. ¿Cómo se refleja este valor en la obra El Mar del Grifo, imagen de FIMSAC 2026?

M.L.: El Grifo es un ser mitológico representado con cabeza y alas de águila integradas al tronco con patas y cola de un león. Dos animales muy poderosos que al integrarse conectan la tierra con el cielo, en otras palabras, lo material con lo espiritual. Y así como el sonido nos conecta con lo poético, el mar nos conecta con nuestra esencia humana, esa misma esencia que nos une a la naturaleza. La conexión simbólica entre lo sagrado, el territorio y la vida en comunidad representa para mí la concordia; es esa posibilidad de vivir en armonía.

Usted trabaja con materiales como libros, papel y madera, que tienen una historia previa. ¿Qué le interesa de esos materiales y de lo que han vivido antes de llegar a sus manos?

M.L.: Me interesa entender la importancia de la memoria en la intención humana de trascender, como al administrar la evidencia del pasado podemos entender el presente y de alguna manera, proyectar el futuro. Árbol, papel y libro están ligados en nuestro ejercicio de registrar cada acontecimiento o evidencia de nuestro paso por esta realidad. El árbol allí afuera en su contexto natural es un testigo silencioso del paso del tiempo y en cada uno de sus anillos registra cada cambio; ese mismo árbol transformado en papel se convierte en el soporte por excelencia para registrar nuestra existencia y nuestros pensamientos. Por esta razón, mi interés en los impresos y a través de la escultura procuro tan solo señalar el origen, la fuente natural de la que también somos parte.

Cuando empieza una obra, ¿qué aparece primero para usted: la idea o el material? ¿Y cómo se va transformando esa relación durante el proceso?

M.L.: Mi proceso normalmente es intuitivo, sin embargo, puedo decir que es una constante negociación entre las ideas y la materia, en la que normalmente los accidentes abren la puerta a algo nuevo, a algo que me sorprende, eso que está allí en medio de lo que creo y lo que la materia me quiere enseñar. Materia que puede ser tangible o intangible.

¿Qué es lo que todavía más lo asombra como artista?

M.L.: Lo que me asombra de este oficio, es la posibilidad de sorprenderme, de entender que la poesía no solo se escribe, sino que es posible vivirla, escucharla y sentirla de muchas formas. Ella se encuentra en cualquier lugar, especialmente en eso que no planeamos.

Por Jorge Piotrowski

Sobre Miler Lagos: https://milerlagosartist.com/informacion/[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/mk_page_section][vc_row fullwidth=»true»][vc_column][vc_column_text css=».vc_custom_1750139411243{margin-bottom: 0px !important;}»]

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MILER LAGOS, ARTISTA DE HONOR PARA LA CREACIÓN DE LA IMAGEN OFICIAL DEL XV FIMSAC 2026

15 años de historia merecen una imagen extraordinaria. Nos honra anunciar a Miler Lagos como el Artista de Honor para la creación de la imagen oficial del Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá 2026.

Su obra, dará vida a la identidad visual que representará esta edición tan especial cuyo tema central será LA CONCORDIA.

Miler Lagos es uno de los artistas visuales colombianos más reconocidos en la escena contemporánea internacional. Su obra explora la relación entre naturaleza, materia y percepción, utilizando materiales como papel, madera y estructuras que evocan procesos geológicos y orgánicos.

Ha expuesto en importantes museos y galerías de América, Europa y Asia, consolidando una trayectoria destacada por la solidez conceptual y la fuerza poética de sus piezas. Su trabajo es valorado por la manera en que transforma materiales cotidianos en reflexiones profundas sobre el paisaje, el tiempo y la experiencia humana.

Próximamente revelaremos la imagen oficial.

Sobre Miler Lagos: https://milerlagosartist.com/informacion/[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/mk_page_section][vc_row fullwidth=»true»][vc_column][vc_column_text css=».vc_custom_1750139411243{margin-bottom: 0px !important;}»]

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Entre la memoria y el instante

El Valle de Sibundoy, en el alto Putumayo, es considerado por los pueblos Inga y Kamëntšá el corazón espiritual donde se equilibran los mundos andino y amazónico. En su cosmogonía, este valle es un territorio sagrado de origen y tránsito, un vientre de la Madre Tierra que conecta lo visible con lo invisible. En sus montañas y ríos habita el espíritu de los ancestros, y los taitas —guardianes del yagé— siguen tejiendo el conocimiento que sana y equilibra. Allí todo respira: las piedras, las aguas y el cerro. Y cuando llega el Bëtsknaté, el carnaval sagrado, el valle vuelve a encender su pulso cósmico, recordando que celebrar también es una forma de agradecer al universo. En el marco del Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá, cuya edición “Colombia es música sacra” viaja por el país tejiendo puentes entre la espiritualidad y el arte, la gira llega al territorio sagrado del Valle de Sibundoy. Allí, Sebastián Kahansy presenta Espíritu de Dios, un concierto que invita a escuchar lo invisible: una ofrenda sonora que une lo ancestral y lo contemporáneo, lo terrenal y lo divino. Nacido en el Tolima y criado en el piedemonte amazónico, Kahansy ha hecho de la guitarra un canal de transformación y de la improvisación una forma de oración en movimiento. Acompañado por Mestizo Sánchez, Juan David Cortés y Mauricio Arias, el artista propone un viaje donde el sonido se vuelve agua, fuego, tierra y aire; un espacio donde cada nota respira el pulso del presente. En esta entrevista, Kahansy comparte la raíz espiritual de su música, su vínculo con la selva y la manera en que el arte puede sanar, agradecer y mantener viva la memoria de lo sagrado. ¿Qué siente al participar por primera vez en el Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá y presentar su obra en un lugar tan simbólico como el Valle de Sibundoy, territorio sagrado para la cultura, la espiritualidad y las personas que mantienen viva la conexión con lo ancestral? ¿Qué significado tiene para usted llevar allí una propuesta que busca tender puentes entre la memoria, la naturaleza y lo sagrado a través del sonido? Sebastián Kahansy: Siento una gran alegría al participar por primera vez en el Festival Internacional de Música Sacra, en un territorio tan importante para mí y al que debo tanto, gracias a su cultura, conocimiento y tradición. Esta es una valiosa oportunidad para continuar siendo puente entre el arte del mundo occidental y las tradiciones ancestrales, conectando sus saberes y herramientas. Me invade un profundo sentimiento de responsabilidad y gratitud al poder vivir esta gran experiencia. Su obra parte de la idea de que la música puede ser una herramienta de sanación y transformación. ¿Cómo comprende usted ese poder sanador del sonido y de qué manera se manifiesta en el repertorio que presentará en el Festival? S.K.: La idea de la música como herramienta de sanación nace, ante todo, en mí. En las obras que he compuesto a lo largo de estos años está plasmada mi historia de vida; la música ha sido el medio a través del cual he transformado mis tristezas y alegrías. La música —y en especial la guitarra— han sido mis grandes maestras: me han enseñado paciencia, perseverancia y dedicación. Este repertorio cuenta mi historia en la selva, expresa mi agradecimiento a la naturaleza y busca transmitir la fuerza de la alegría a través de sus ritmos y melodías En obras como “Bendito Yagé” o “Verde Misterio” se percibe una conexión profunda con los saberes ancestrales y las plantas sagradas. ¿Cómo dialoga su música con esas tradiciones? S.K.: Estas canciones nacen directamente en la selva, durante el proceso de preparación de la sagrada medicina. Son fruto del aprendizaje recibido de los mayores y sabedores de esta ciencia, en la cual he caminado más de la mitad de mi vida. El diálogo entre mi música y estas tradiciones representa una síntesis entre el estudio académico y el conocimiento espiritual, un reconocimiento de cómo el arte puede ponerse al servicio de lo sagrado. ¿Qué papel juega para usted la improvisación en el proceso de conexión espiritual durante sus conciertos? S.K.: La improvisación es lo que da vida a la música. Las obras instrumentales que incluyen secciones improvisadas nunca serán iguales: cada concierto es una versión distinta, como una cascada, el fuego, el viento o la tierra en movimiento. Permanecen en el mismo lugar, pero siempre cambian. Este proceso genera una creación colectiva y espontánea, en la que, como grupo y amigos, fluimos desde cada visión y conexión con la naturaleza. ¿Qué le gustaría que el público sintiera o se llevara consigo después de vivir este concierto, donde la música se plantea como un puente entre lo ancestral y lo contemporáneo, entre la memoria y el instante? S.K.: Me gustaría que el público se llevara una sensación de alegría, frescura, silencio e invitación a la reflexión; que perciba cómo seguimos el legado de nuestros abuelos, cómo la cultura permanece viva y se expande al fundirse con otras tradiciones y conocimientos. Deseo que la música sea un puente entre mundos, capaz de comunicar lugares aparentemente opuestos a través del lenguaje universal del arte.   Sábado, 29 de noviembre de 2025, 3:00 PM Parroquia Catedral San Pablo Apóstol Sibundoy, Putumayo ESPIRITU DE DIOS. Un puente sonoro entre la memoria y el instante Sebastián Kahansy, guitarra y voz líder (Colombia) Mestizo Sánchez, bajo eléctrico (Colombia) Juan David Cortés, percusión (Colombia) Mauricio Arias, flauta traversa (Colombia) Entrada libre hasta completar aforo PULEP: QVA722 [/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/mk_page_section][vc_row fullwidth=»true»][vc_column][vc_column_text css=».vc_custom_1750139411243{margin-bottom: 0px !important;}»] [/vc_column_text][vc_raw_html]JTNDZGl2JTIwc3R5bGUlM0QlMjJkaXNwbGF5JTNBJTIwZmxleCUzQiUyMGp1c3RpZnktY29udGVudCUzQSUyMGNlbnRlciUzQiUyMGdhcCUzQSUyMDMwcHglM0IlMjBtYXJnaW4tdG9wJTNBJTIwMjBweCUzQiUyMiUzRSUwQSUyMCUyMCUzQ2ElMjBocmVmJTNEJTIyaHR0cHMlM0ElMkYlMkZ3d3cuZmFjZWJvb2suY29tJTJGRk1TQm9nb3RhJTNGcmVmJTNEZW1iZWRfcG9zdCUyMiUyMHN0eWxlJTNEJTIycGFkZGluZyUzQSUyMDIwcHglM0IlMjBkaXNwbGF5JTNBJTIwZmxleCUzQiUyMGFsaWduLWl0ZW1zJTNBJTIwY2VudGVyJTNCJTIwanVzdGlmeS1jb250ZW50JTNBJTIwY2VudGVyJTNCJTIwdGV4dC1kZWNvcmF0aW9uJTNBJTIwbm9uZSUzQiUyMGNvbG9yJTNBJTIwYmxhY2slM0IlMjIlM0UlMEElMjAlMjAlMjAlMjAlM0NpJTIwY2xhc3MlM0QlMjJmYWIlMjBmYS1mYWNlYm9vay1mJTIyJTIwc3R5bGUlM0QlMjJmb250LXNpemUlM0ElMjAyNHB4JTNCJTIyJTNFJTNDJTJGaSUzRSUwQSUyMCUyMCUzQyUyRmElM0UlMEElMjAlMjAlM0NhJTIwaHJlZiUzRCUyMmh0dHBzJTNBJTJGJTJGd3d3Lmluc3RhZ3JhbS5jb20lMkZmZXN0aXZhbG11c2ljYXNhY3JhJTJGJTNGaGwlM0RlcyUyMiUyMHN0eWxlJTNEJTIycGFkZGluZyUzQSUyMDIwcHglM0IlMjBkaXNwbGF5JTNBJTIwZmxleCUzQiUyMGFsaWduLWl0ZW1zJTNBJTIwY2VudGVyJTNCJTIwanVzdGlmeS1jb250ZW50JTNBJTIwY2VudGVyJTNCJTIwdGV4dC1kZWNvcmF0aW9uJTNBJTIwbm9uZSUzQiUyMGNvbG9yJTNBJTIwYmxhY2slM0IlMjIlM0UlMEElMjAlMjAlMjAlMjAlM0NpJTIwY2xhc3MlM0QlMjJmYWIlMjBmYS1pbnN0YWdyYW0lMjIlMjBzdHlsZSUzRCUyMmZvbnQtc2l6ZSUzQSUyMDI0cHglM0IlMjIlM0UlM0MlMkZpJTNFJTBBJTIwJTIwJTNDJTJGYSUzRSUwQSUyMCUyMCUzQ2ElMjBocmVmJTNEJTIyaHR0cHMlM0ElMkYlMkZ4LmNvbSUyRkZNU0JvZ290YSUyMiUyMHN0eWxlJTNEJTIycGFkZGluZyUzQSUyMDIwcHglM0IlMjBkaXNwbGF5JTNBJTIwZmxleCUzQiUyMGFsaWduLWl0ZW1zJTNBJTIwY2VudGVyJTNCJTIwanVzdGlmeS1jb250ZW50JTNBJTIwY2VudGVyJTNCJTIwdGV4dC1kZWNvcmF0aW9uJTNBJTIwbm9uZSUzQiUyMGNvbG9yJTNBJTIwYmxhY2slM0IlMjIlM0UlMEElMjAlMjAlMjAlMjAlM0NpJTIwY2xhc3MlM0QlMjJmYWIlMjBmYS14LXR3aXR0ZXIlMjIlMjBzdHlsZSUzRCUyMmZvbnQtc2l6ZSUzQSUyMDI0cHglM0IlMjIlM0UlM0MlMkZpJTNFJTBBJTIwJTIwJTNDJTJGYSUzRSUwQSUyMCUyMCUzQ2ElMjBocmVmJTNEJTIyaHR0cHMlM0ElMkYlMkZ3d3cueW91dHViZS5jb20lMkYlNDBmZXN0aXZhbGludGVybmFjaW9uYWxkZW11czY3MzMlMjIlMjBzdHlsZSUzRCUyMnBhZGRpbmclM0ElMjAyMHB4JTNCJTIwZGlzcGxheSUzQSUyMGZsZXglM0IlMjBhbGlnbi1pdGVtcyUzQSUyMGNlbnRlciUzQiUyMGp1c3RpZnktY29udGVudCUzQSUyMGNlbnRlciUzQiUyMHRleHQtZGVjb3JhdGlvbiUzQSUyMG5vbmUlM0IlMjBjb2xvciUzQSUyMGJsYWNrJTNCJTIyJTNFJTBBJTIwJTIwJTIwJTIwJTNDaSUyMGNsYXNzJTNEJTIyZmFiJTIwZmEteW91dHViZSUyMiUyMHN0eWxlJTNEJTIyZm9udC1zaXplJTNBJTIwMjRweCUzQiUyMiUzRSUzQyUyRmklM0UlMEElMjAlMjAlM0MlMkZhJTNFJTBBJTNDJTJGZGl2JTNFJTBB[/vc_raw_html][vc_column_text css=».vc_custom_1750139386699{margin-bottom: 0px !important;}»]

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UNA VIDA DEDICADA A PRESERVAR LA MEMORIA ESPIRITUAL DE SAN ANDRÉS

En las playas de San Andrés, donde el azul parece inventado, las celebraciones religiosas no pasan desapercibidas: se viven con una energía inigualable y con un fervor que nace del corazón, no de la obligación. Durante más de treinta años, Julia Martínez Reid ha sido una voz esencial en la preservación del Góspel y los Negro Spirituals en Colombia. Su interpretación es un gesto espiritual y un acto de memoria: en cada pieza confluyen la historia afroamericana, la tradición del Pueblo Raizal y una fe que transforma el canto en oración. Para Julia, estas músicas no son repertorio sino caminos interiores donde se entrelazan dolor, esperanza y resistencia.

En la Gira Colombia es Música Sacra, presenta “King of Kings”, un programa creado junto a Ricardo Newball que une himnos, spirituals y villancicos como una antesala a la Navidad. Su voz encarna la identidad sonora de San Andrés y Providencia, donde cultura, historia y espiritualidad se funden. Esta entrevista explora esa conexión íntima entre técnica, entrega y fe, y el significado profundo que este proyecto tiene para ella hoy.

Julia, usted ha dedicado más de tres décadas a preservar la música Góspel y los Negro Spirituals, géneros que son al mismo tiempo oración y memoria. ¿Qué la sigue conmoviendo cada vez que los interpreta?

Julia Martínez: Me sigue conmoviendo que son piezas cargadas de muchas emociones y sentimientos encontrados, dolor, tristeza, alegría, esperanza, asombro, resistencia, fe, pero sobre todo porque son expresiones que salen del alma, y cada vez que las interpreto, es una nueva experiencia y una nueva oportunidad para sentirme más cerca del creador.

En King of Kings se cruzan himnos, spirituals y villancicos universales. ¿Cómo construyeron junto a Ricardo Newball ese hilo que une la herencia afroamericana con el espíritu de la Navidad?

J.M.: El espíritu navideño empieza a tocar muy fuerte en las puertas del Pueblo Raizal, desde el 8 de diciembre y por lo general, las diferentes iglesias organizan diferentes actividades musicales y/o teatrales, que recuerden el nacimiento de Jesús.  Entonces, lo que hicimos fue incluir algunas piezas, como antesala para recibir la temporada navideña y recordar el nacimiento del Rey de reyes.

San Andrés y Providencia guardan una identidad sonora marcada por el encuentro entre la fe, la historia y la cultura afrocaribeña. ¿Cómo siente que esa raíz se expresa en su voz y en su manera de cantar?

J.M.: ¡Wao! Esta pregunta es muy compleja. No hay nada que me apasione más en esta vida que cantar y cuando canto, estos tres elementos no se separan, van entrelazados y son parte fundamental de mi ser como intérprete. Precisamente, cuando interpreto los Negro Spirituals, a través de ellas transmito la historia de mis ancestros, transmito esa herencia cultural tan distinta, pero tan rica. Cuando interpreto Góspel, expreso mi fe y esa gran tradición religiosa que caracteriza al Pueblo Raizal. Pero, sobre todo, cuando canto, en cada palabra que pronuncio, cada gesto, cada mirada, doy el alma y logro tocar el alma de otras personas. 

Más allá de la técnica vocal, el Góspel exige una entrega espiritual absoluta. ¿Cómo logra equilibrar la precisión del canto con la emoción que nace de la fe?

J.M.: Para una buena interpretación musical, se requiere tener la respiración, la afinación, la vocalización y la expresión adecuadas. Es cierto que el Góspel exige una entrega espiritual y además lleva una gran carga de diferentes emociones, pero nunca debe llevar al intérprete a perder el control; cada vez que voy a subir al escenario, le digo a Dios que tome el control, y que sea él quien hable a través de mi voz.

King of Kings significa “Rey de Reyes”, pero también parece hablar de algo más íntimo: del poder que tiene la música para elevar, sanar y reunir. ¿Qué significa para usted ese título en este momento de su vida artística?

J.M.: Este título para mi significa un montón. Desde el año pasado estoy recibiendo muchas bendiciones en mi vida, espiritualmente, académicamente, económicamente, profesionalmente; y esto es obra de Dios.  Yo no me cansó de dar gracias por todas sus bondades y por todos los logros que me ha concedido. Por eso este título, Jesús es el Rey de mi vida, es el Rey de reyes.

Sábado, 13 de diciembre de 2025, 6:00 P.M.
Primera Iglesia Bautista
San Andrés Islas, Archipiélago de San Andrés, Providencia y Santa Catalina
KING OF KINGS
Julia Martínez Reid, soprano (Colombia)
Ricardo Newball, piano (Colombia)
Entrada libre hasta completar aforo
PULEP: ZNA767[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/mk_page_section][vc_row fullwidth=»true»][vc_column][vc_column_text css=».vc_custom_1750139411243{margin-bottom: 0px !important;}»]

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TERRITORIOS DISTINTOS, TRADICIÓN COMPARTIDA

Tumaco tiene una magia difícil de explicar, pero fácil de sentir. Tiene historias duras y alegres, risas fuertes, rezos cantados y esa manera tan propia que tiene el Pacífico de convertir la vida en canto. En esta parada de la gira Colombia es Música Sacra, conversamos con Sonar del Río, un grupo de cantoras y músicos de Guapi que se presentará en la Catedral de Tumaco. Vienen con la emoción de encontrarse con un territorio hermano. Nos cuentan qué significa llegar a esta tierra que vibra parecida a la de ellos, cómo nacen los cantos que han heredado y por qué sus instrumentos son casi como familia. Hablan con la naturalidad de quien ha vivido en medio de espacios donde lo sagrado y lo cotidiano siempre van mezclados.

Escucharlos es asomarse a un Pacífico donde la música nunca ha sido solo música: es raíz, es refugio, es conversación con los ancestros, es una forma de seguir de pie y, sobre todo, una manera de seguir caminando juntos, incluso cuando el camino se vuelve mar.

¿Qué sienten al volver a presentarse en la gira Colombia es Música Sacra, esta vez en la Catedral de Tumaco?

Sonar del Río: Para nosotros es de suma importancia volver a ser parte de este evento, porque es una oportunidad más para compartir nuestro talento, nuestra propuesta artística y, sobre todo, nuestras formas de entender y vivenciar nuestra religiosidad. Nos complace mucho llevar nuestra música a Tumaco para empezar a tejer lazos de unidad entre los territorios del Pacífico. Por eso esperamos realizar una excelente representación de Guapi, nuestro territorio de origen.

En su cultura, ¿cómo nace una canción y qué papel cumple en la vida diaria de la comunidad?

S.R.: Los cantos tradicionales suelen surgir de manera espontánea y narran vivencias, experiencias y creencias espirituales y religiosas. Estos cantos cumplen una función vital en la cultura, pues son vehículos de conservación de la memoria, expresiones vivas que permiten el relevo generacional y fortalecen el sentido de comunidad.

La marimba, los bombos y los cununos tienen un vínculo muy especial con el territorio. Desde su experiencia, ¿qué significan estos instrumentos para ustedes?

S.R.: Estos instrumentos representan un legado afrodiásporico que continúa siendo un sistema de comunicación, expresión y afirmación de nuestra cultura. Aunque hoy no tengan exactamente el mismo significado de antaño, siguen siendo elementos fundamentales para la resistencia y la continuidad cultural. Además, en un contexto marcado por violencias y distintas formas de vulneración, estos instrumentos se convierten en medios de rescate, capaces de generar escenarios alternos que promuevan la unidad y la paz.

¿Qué fue lo más valioso que aprendieron de las maestras y mayores que les enseñaron estos cantos tradicionales?

S.R.: Las enseñanzas más valiosas que nos han dejado nuestros mayores son el respeto y la conciencia de lo que se hace. Entender que nuestras músicas, más que un elemento comercial, son tesoros culturales que deben ser preservados y transmitidos con dignidad y respeto.

Para quienes no crecimos en el Pacífico Sur, ¿qué es lo más importante que deberíamos entender sobre el sentido espiritual de sus cantos?

S.R.: Lo más importante es comprender que, aunque vivimos en un mismo país, contamos con diferencias culturales muy marcadas, entre ellas las formas de vivir la espiritualidad, la relación con la religión y las maneras de ser y estar en espacios sagrados como las iglesias. Lo que somos y hacemos hoy es fruto de interacciones, negociaciones y tensiones que surgieron siglos atrás; nuestra religiosidad y nuestras prácticas espirituales son una muestra de ello. Nuestros cantos son tan espirituales, válidos y valiosos como los de cualquier otra región.

Sábado, 6 de diciembre de 2025, 7:00 P.M.
Catedral San Andrés de Tumaco
Tumaco (Nariño)
ADORAR, VAMOS A ADORAR
Sonar del Río (Colombia)
Entrada libre hasta completar aforo.
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PROGRAMACIÓN DE COLOMBIA ES MÚSICA SACRA

Del 15 de noviembre al 20 de diciembre de 2025, la gira recorrerá seis
departamentos con una agenda de 20 actividades entre conciertos, charlas
y visitas guiadas.

Bogotá, 13 de septiembre de 2025 – (@festivalmusicasacra
(@MinComercioCo – @FonturCol). En el país de la belleza, la música es un puente que une territorios, historias y corazones. Por esto, el Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá anuncia el inicio de la cuarta edición de su gira nacional “Colombia es Música Sacra”, un recorrido que fortalece el acceso cultural en las regiones y celebra la espiritualidad a través de la música.

Esta iniciativa, organizada por la Corporación Cultural InterColombia y cofinanciada por el Ministerio de Comercio, Industria y Turismo, a través de FONTUR, reafirma el compromiso por llevar cultura a los territorios, visibilizar destinos con valor histórico y patrimonial, e impulsar el turismo cultural, religioso y de paz.

“Llevar la música sacra a distintas regiones es reafirmar que Colombia es un país de fe y de reconciliación. Cada territorio tiene una sonoridad que merece ser escuchada, apreciada y resaltada. Cada rincón de Colombia nos sorprende con su belleza, su historia y sus tradiciones, especialmente, su gente, nuestra gente”, afirmó Marianna Piotrowska, directora del Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá.

Del 15 de noviembre al 20 de diciembre de 2025, la gira recorrerá seis departamentos con una agenda de 20 actividades entre conciertos, charlas y visitas guiadas. Los destinos serán: Santa Marta (Magdalena), Zapatoca (Santander), Valle del Sibundoy (Putumayo), San Andrés de Tumaco (Nariño), Isla de San Andrés (Archipiélago de San Andrés, Providencia y Santa Catalina) y Jardín (Antioquia).

Cada presentación será un encuentro íntimo entre artistas, comunidades y viajeros, un espacio donde la música sagrada, espiritual y meditativa se convierte en lenguaje común para la reconciliación, la memoria y la esperanza. Así, la gira promueve un turismo más consciente, respetuoso y conectado con las raíces profundas de nuestro territorio.

La apertura oficial se realizará en Santa Marta, con el concierto “Ave María” en la Catedral Basílica, interpretado por la soprano Laura Gómez y el pianista Daniel Aguirre, en homenaje a los 500 años de la fundación de la ciudad.

“El turismo también es un camino espiritual, un espacio donde Colombia se reconoce, sana sus memorias y fortalece sus vínculos comunitarios. Llevar música sagrada a las regiones es una apuesta que honra nuestra diversidad y la grandeza de quienes habitan los territorios. Desde el Gobierno del Cambio seguimos promoviendo iniciativas que transforman y dignifican la vida de las comunidades”, señaló Diana Marcela Morales, ministra de Comercio, Industria y Turismo.

Con esta gira el festival consolida su vocación de acercar experiencias artísticas transformadoras a las comunidades, promoviendo diálogo cultural, reflexión, espiritualidad y paz; porque cuando la música viaja, también viajan la memoria, la identidad y la belleza de Colombia.

Esta es una invitación a viajar, a escuchar con el alma y a sentir la fuerza espiritual de los territorios. Un llamado a recorrer el país donde la cultura florece, la diversidad canta y la belleza se comparte. Más información en http://www.festivalmusicasacra.com/

Colombia es Música Sacra. Colombia es territorio de paz. Colombia es El País de la Belleza.

Programación conciertos:

Sábado, 15 de noviembre de 2025, 8:00 P.M. Catedral Basílica de Santa Marta 
Santa Marta (Magdalena)
AVE MARÍA. Música Sacra para los 500 años de Santa Marta
Laura Gómez, soprano (Colombia)
Daniel Aguirre, piano (Colombia)
Entrada libre hasta completar aforo.
PULEP: KKM102

Sábado, 22 de noviembre de 2025, 6:30 P.M. Parroquia San Joaquín de Zapatoca
Zapatoca (Santander)
CELESTIAL BARROCO  
Ensamble Barroco de Bogotá (Colombia)
Entrada libre hasta completar aforo.
PULEP: IPU372

Sábado, 29 de noviembre de 2025, 3:00 P.M. Parroquia Catedral San Pablo Apóstol de Sibundoy
Sibundoy (Putumayo)
ESPIRITU DE DIOS. Un puente sonoro entre la memoria y el instante
Sebastián Kahansy, guitarra y voz líder (Colombia)
Mestizo Sánchez, bajo eléctrico (Colombia)
Juan David Cortés, percusión (Colombia)
Mauricio Arias, flauta traversa (Colombia)
Entrada libre hasta completar aforo.
PULEP: QVA722

Sábado, 6 de diciembre de 2025, 7:00 P.M. Catedral San Andrés de Tumaco
Tumaco (Nariño)
ADORAR, VAMOS A ADORAR 
Sonar del Río (Colombia)
Entrada libre hasta completar aforo.
PULEP: ZNA767

Sábado, 13 de diciembre de 2025, 6:00 P.M. Primera Iglesia Bautista
San Andrés Islas (Archipiélago de San Andrés, Providencia y Santa Catalina)
KING OF KINGS
Julia Martínez Reid, soprano (Colombia)  
Ricardo Newball, piano (Colombia)
Entrada libre hasta completar aforo.
PULEP: ZNA767

Sábado, 20 de diciembre de 2025, 7:00 P.M. Basílica Menor de la Inmaculada Concepción 
Jardín (Antioquia)
FANTASIA EN NAVIDAD 
Banda Sinfónica Nacional de Colombia (Colombia)
Christiam Camilo Malagón Tenza, director (Colombia)
Entrada libre hasta completar aforo.
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CORPORACIÓN CULTURAL INTERCOLOMBIA

WWW.INTERCOLOMBIA.ORG – (+57) 311 8 982 735

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“CELESTIAL BARROCO” EN LAS MONTAÑAS DE SANTANDER

El arte colonial hispanoamericano nació bajo la influencia directa del Barroco europeo, que llegó con la Iglesia y la Corona, y aquí se mezcló con materiales, sensibilidades y tradiciones locales hasta crear un estilo propio. En Zapatoca, el arte colonial se siente en las calles, en la arquitectura y en esa calma particular con la que se vive en la montaña. El Barroco formó parte de esa misma época y dejó su marca en templos, ornamentos y en la manera de entender lo espiritual en estas tierras. Por eso, cuando la música barroca llega a Zapatoca, no irrumpe: conversa con el lugar y se mezcla de forma natural.

Zapatoca se prepara para un encuentro que mezcla mística, patrimonio y música. En este municipio que respira tradición espiritual, el Ensamble Barroco de Bogotá presentará Celestial Barroco, un viaje sonoro que reúne a Corelli, Merula, Vitali, Vivaldi y de Visée: cinco temperamentos musicales que expanden el cielo interior de quien los escucha. La gira “Colombia es Música Sacra” del FIMSAC encuentra aquí un escenario natural: un pueblo cuyo ritmo tranquilo y memoria viva parecen hechos a la medida del Barroco y sus contrastes. Para entender mejor esa conexión, en esta entrevista conversamos con Julien Faure, clavecinista y director del Ensamble, sobre la aventura artística, humana y sonora que llevarán a Zapatoca.

¿Qué representa para el Ensamble Barroco de Bogotá ser parte de la gira “Colombia es Música Sacra” y presentarse en Zapatoca, un municipio con fuerte tradición espiritual y patrimonial?

Julien Faure: Es un privilegio participar en la gira del FIMSAC y una bella misión poder difundir la música que interpretamos por el territorio nacional, más allá de la capital, que normalmente es nuestro foco. Nos parece clave que el Festival pueda desarrollar una gira nacional, y por supuesto estamos muy complacidos de estar programados en ella para lograr cada vez más resonancia artística y alcanzar a nuevos públicos.

El Ensamble Barroco de Bogotá nació como una iniciativa de clavecinistas interesados en la interpretación históricamente informada. ¿Cómo ha evolucionado ese espíritu de investigación desde 2013 hasta hoy?

J.F.: Desde 2013, el EBB ha crecido en varios aspectos. La agrupación empezó con música para teclado de Johann Sebastian Bach. Luego abordamos repertorios de distintos países y numerosas estéticas propias de los siglos XVII y XVIII, en diversas conformaciones, desde música de cámara hasta música orquestal. También, en más de diez años de recorrido, el EBB ha podido unir y reunir a muchos músicos colombianos apasionados y dedicados a la interpretación histórica. A lo largo de estos años, el Ensamble ha compartido escenarios con figuras clave del movimiento, como pioneros de la disciplina —por ejemplo, Sigiswald Kuijken— y referentes como Andreas Scholl, Alfredo Bernardini o Leila Schayegh. Los vínculos con estas personalidades han sido de gran valor y potencia artística.

Desde 2021 creamos la Academia de Violín Barroco, con la cual el Ensamble puede formar a muchos jóvenes violinistas, preparar el futuro y tener un impacto educativo importante. Es interesante ver que el Ensamble se ha convertido en un puente entre Colombia y Europa: varios estudiantes han podido formarse fuera del país y, a la vez, el Ensamble integra a artistas colombianos que regresan tras largos procesos formativos en el exterior.

El concierto se titula “Celestial Barroco” y reúne a Corelli, Merula, Vitali, Vivaldi y de Visée, cinco compositores con personalidades musicales muy distintas. ¿Cuál diría que es el rasgo más característico de cada uno?

J.F.: Todos son compositores de gran valor y es un placer interpretar y compartir su música. Diría que Corelli era el más carismático: tuvo enorme éxito en vida, fue uno de los maestros más reconocidos, un virtuoso del violín, y su música estableció estándares para sus contemporáneos. Merula fue un innovador, muy creativo, especialmente en sus obras vocales. Vitali fue un niño prodigio y luego se centró sobre todo en la música instrumental. Vivaldi era un personaje de película, como su música: un cura que faltaba con frecuencia a sus obligaciones parroquiales, impredecible, virtuoso del violín, aunque sus contemporáneos afirmaban que no tenía gran refinamiento al tocar. De Visée era muy cercano al rey Luis XIV, fue su maestro de música y estaba plenamente integrado en la corte de Versalles. Tocaba instrumentos de cuerdas pulsadas y también era cantante.

El Barroco es un universo de contrastes: luz y sombra, orden y delirio, contención y exaltación. ¿Qué momento del programa sintetiza mejor esa dualidad y por qué?

J.F.: Creo que, en este programa, La Follia de Vivaldi contiene todos estos elementos y simboliza muy bien el estilo barroco. Es una melodía muy famosa de la época que muchos compositores utilizaron en sus obras. Vivaldi la desarrolla con variaciones y alcanza emociones muy contrastantes, incluso un toque de locura.

Para muchos asistentes será su primer encuentro cercano con esta música. ¿Cuál es la experiencia central que quieren que el público se lleve al terminar el concierto?

J.F.: Creo que algo muy interesante para el público será apreciar la especificidad de los timbres de los instrumentos de época. Los violines sonarán seguramente más rústicos, ya que están encordados con tripa. El violone, un instrumento entre el violonchelo y el contrabajo, también será una novedad. Y conocer la tiorba, tanto por su aspecto como por su sonido, será sin duda una bella experiencia para el público.

 

Sábado, 22 de noviembre de 2025, 6:30 PM
Parroquia San Joaquín de Zapatoca
Zapatoca (Santander)
BARROCO CELESTIAL
Ensamble Barroco de Bogotá (Colombia)
Carlos Torres, violín (Colombia)
Gabriela Montejo, violín (Colombia)
Sebastián Vega, tiorba (Colombia)
Juan Manuel Giraldo, violone (Colombia)
Entrada libre hasta completar aforo.
PULEP: IPU372

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